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Hugo Cabret di Martin Scorsese

2012-02-12T22:49:00.000+01:00

Se io fossi un testimonial, unapersona famosa capace di influenzare le scelte di altre persone, spendereitutto il mio carisma per incentivare la visione di questo film al cinema.

Direi: -Se avete un bambino chenon è mai andato al cinema, se conoscete qualcuno che non ha mai messo piede inuna sala cinematografica, fate in modo che questo sia il suo primo film. Seconoscete persone che ritengano di avere ragioni per dire “a me il cinema nonpiace, …mi annoia, …preferisco la tv…” pagate loro il biglietto e portateli avedere questo film. Accendete un mutuo,…prostituitevi…, rubate, e comprate loroquesto biglietto il fine giustifica il mezzo. –

Se conoscete persone che vedonosolo film per nascondersi alla vita per un paio d’ore, invitateli con voi avedere questo film.

Se non sapete come fare a toccare il cuore di una ragazza(o di un ragazzo se siete donne) regalatevi e regalate queste due ore e tuttosarà più semplice e diretto.

Se fossi papa concederei l’indulgenzaplenaria a chi possa dimostrare di aver visto questo film che riconcilia con lavita perché, con un garbo ed una delicatezza ineguagliabili ci racconta deisogni e di come essi possano essere disegnati, costruiti, realizzati. Ciracconta in modo fiabesco cose estremamente complesse che attengono allecategorie del cervello e dell’anima, della filosofia e dell’Arte, della Storiae dell’Etica.

Un bambino, Hugo Cabret, orfanodi un padre orologiaio, cerca disperatamente di far funzionare un automa dalmeccanismo estremamente complesso perché ha acquisito la convinzione che possacosì ricevere l’ultimo messaggio dal padre. Hugo vive clandestino nella grandestazione di Parigi dove si occupa del funzionamento di tutti gli orologi diquella stazione. Il compito apparentemente sovrumano che si è caricato su di sélo porta attraverso alterne vicende ad incrociare da un lato i libri, dall’altroil cinema.

Non mi permetto di aggiungerealtro alla trama per non rovinare la visione a chi non avesse ancora avuto mododi vedere il film. Ciò che ho esposto mi occorre solo per dire che la scritturarappresenta il segno della civiltà e della consapevolezza intelligente dei popoli e delle persone, ma il cinema ne proietta l’anima.

Scorsese celebra qui in modofastoso il cinema come il luogo dell’anima.

Cinema come visione, come sala,come artigianato creativo, e infine come lenimento per una sofferenza.

Molte le sensazioni che questofilm è capace di evocare e molte cose si possono trovare quanto a citazionicolte, a riferimenti.

Io preferisco ricordare a mestesso che ho rivisto qui un Cristopher Lee ormai novantenne interpretare MonsieurLabisse, bibliotecario. L’ho visto quando ero ragazzo in una serie di film neiquali interpretava Dracula (cinema Eden Chieti, “pidocchietto”). Ricordo perfettamenteche fu il mio primo film a Chieti da studente un film con Cristopher Lee: Leamanti di Dracula, chissà forse una macchia nella storia del cinema!. Ma,senon avessi visto quei film non avrei apprezzato il capolavoro letterario diBram Stoker che ho letto solo molto tempo dopo, non avrei apprezzato neppureNosferatu di Herzog, mentre mi accingevo a laurearmi. Sospintocosì a vedere la prima versione di Murnaudel 1922, infine non avrei mai potuto capire la potenza visionaria del fumettodel maestro Guido Crepax. Il cinema è anche questo :un sogno che contiene altrisogni dove ci sono altri sogni.

Una seconda notazione personale èche ho creduto per tutto il film di aver pizzicato Scorsese in un blooper, un errore clamoroso (la mia vanitàè evidentemente infinita). L'Ispettore Ferroviario, infatti, indossa unorologio da polso quando tutti i maschi portano orologi da tasca. Non ci sonograndi riferimenti di date nel film, sappiamo per certo che le vicende sisvolgono dopo la prima guerra mondiale, vediamo la fiaschetta dello zio Claudeche porta impressa la data 1925, quindi siamo un po’ dopo, comunque prima dellaGrande Depressione e abbastanza lontani concettualmente dalla sciagura delnazifascismo. Una breve ricerca mi ha consentito di sapere che l’orologio dapolso esisteva fin dalla fine dell’ ‘800 ma che il suo uso cominciò a diventaredi massa tra i militari che parteciparono alla prima guerra mondiale, come èappunto il caso dell’Ispettore Ferroviario, unico uomo del film ad avere unorologio da polso. Voglio dire che la cura dei dettagli scenografici ecostumistici è evidentemente meticolosissima laddove si costruiscono sogni diquesta fatta.

Le implicazioni metaforiche dellastoria narrata e del modo di narrarla, gli orologi ossessivamente presenti, iriferimenti a Escher di cui ho avuto modo di vedere una mostra proprio l’estatescorsa in Spagna con i suoi disegni e le sue animazioni, la locomotiva deifratelli Lumière e quella ricostruita prima nell’incubo e poi nelle scenefinali (ancora una giustapposizione tra sogno e realtà) credo impegneranno icritici e gli appassionati a lungo.

Io rivedrò e rivedrò ancoraquesto film che entra a buon diritto tra i miei preferiti di sempre, assieme a2001: odissea nello spazio, assieme a La strada di Fellini e altri.

Forse perché misarebbe piaciuto che mio padre restasse ancora un po’ con me, come penso sia giusto quando si è ragazzi.

Forse perché pensoche non sono mai riuscito a interpretare il messaggio che evidentemente deveavermi lasciato.

Questo film mi restituisce la speranza che io possa ancorafarlo.

Lascia ch'io pianga

2012-02-10T14:57:00.001+01:00

Se fossi morto ieri non avrei conosciuto questa aria meravigliosa dal Rinaldo di Georg Friedrich Händel, perchè non avrei visto il film Antichrist di Lars Von Trier. Le scene riportate nel video danno un'idea del capolavoro e la voce di Cecilia Bartoli dà tutto il colore che manca a questo splendido bianco e nero.

Lascia ch'io pianga
mia cruda sorte,
e che sospiri la libertà
e che sospiri,
e che sospiri la libertà
Lascia ch'io pianga mia cruda sorte,
e che sospiri la libertà
Il duolo infranga queste ritorte
de miei martiri sol per pietà
de miei martiri sol per pietà
Lascia ch'io pianga mia cruda sorte,
e che sospiri la libertà
e che sospiri,
e che sospiri la libertà
Lascia ch'io pianga mia cruda sorte,
E che sospiri la libertà

Due parole sull'opera Rinaldo che debutta a Londra il 24 Febbraio 1711 e narra di fatti e gesta dalla Gerusalemme Liberata di Torquato Tasso. Il personaggio che canta l'aria in questione è Almirena, promessa sposa di Rinaldo.

Il film Antichrist è, per ora, l'ultimo film di Lars Von Trier. E' stato presentato al festival di Cannes nel 2009 tra molte polemiche, legate al film e alle dichiarazioni del regista danese. Un film inquietante, definito porno-horror, visionario quant'altri mai, dedicato alla memoria di A. Trkovskji.

Senz'altro un film che divide le opinioni.

Diviso in quattro "capitoli" narra di una torbida vicenda di dissoluzione della famiglia in seguito alla morte di un bambino avvenuta mentre i genitori fanno l'amore.

Un crescendo di violenza e di lirismo estremo che il Regista ha realizzato al culmine di un periodo di depressione, utilizzando la scrittura della sceneggiatura come misura terapeutica.

Un film mai ridondante. Bianco e nero perfetti. William Defoe e Charlotte Gainsbourg (palma d'oro come miglior attrice) altrettanto essenziali.

Segni che trascendono i sogni. Anche quelli peggiori.

Se morivo ieri avrei potuto non vedere questo film.

Ora mi occorre un pò di vita per terminare il libro meraviglioso che sto leggendo.

Polisse di Maiwenn Le Besco

2012-02-08T19:13:00.000+01:00

Per tutta una lunga prima parte questo film resta abbondantemente al di qua di qualsiasi pretesa artistica. Il racconto delle vicende del nucleo di tutela dei minori della polizia di Parigi somiglia troppo ad un qualsiasi servizio giornalistico di casa nostra (da Report, a Ruotolo prima maniera)oppure a cose tipo "squadra di polizia" se si vuole scomodare la fiction.
Da un certo punto in poi c'è un cambio di passo, anche tecnico, nelle modalità delle riprese, e sì scopre che tutta quella prima parte è servita non tanto a definire il perimetro della storia o i personaggi come è d'uso, ma a "costruire" lo spettatore, a farlo entrare dentro le vicende narrate. Perciò, ancora una volta, astenersi da giudizi in corso d'opera tipo "non mi sta piacendo";e, del resto, di un quadro non diremmo "questo pezzo del quadro non mi piace".
A questo punto, dicevo, cambia registro il film, un pò prima dell'interruzione per l'intervallo.
L'attenzione si sposta dai bambini e dalle loro storie sempre terribili, alle storie dei poliziotti, i componenti del nucleo di protezione di minori, e non sono meno terribili.
La cosa più terrificante però sta nel fatto che le riconosciamo quelle storie. Le conosciamo perchè riguardano le nostre vite. Storie di ordinaria nevrosi e di ordinaria follia. Ci abitiamo dentro quelle storie e, forse, la storpiatura della parola police del titolo sta a significare proprio questo, che la polizia è solo il pretesto scelto per parlar d'altro.

Quanto del nostro lavoro entra poi nelle nostre vite?
E nella vita di chi ci sta vicino?
Quanto della nostra vita entra nel nostro lavoro?

La regìa resta al di qua della risposta. Sì limita ad illustrare. E illustra bene. Non benissimo. Però è in questo la cifra artistica di un film che potrebbe essere stato un divertissement di questa giovane regista che magari in futuro farà anche qualcosa di notevole.
La frenesia di una camera a mano in tutta la prima parte consente di godere poco il film.
L'inserimento di una fotografa nel nucleo di poliziotti come occhio distaccato poteva essere un elemento interessante soprattutto perché non riesce a restare asettico come era nel mandato. La fotocamera fa diventare il gruppo di poliziotti una specie di reality (ancora la tv) con momenti folli, degradanti, toccanti, festosi. Però l'occasione del personaggio-fotografa (Melissa) viene disperso in una serie di situazioni che non ho neppure ben compreso. Lei, la fotografa, è bellissima e, l'amica psichiatra con la quale ho visto il film a Firenze mi fa sapere che è anche la regista del film.
Non ci sono note particolari: tutto viene servito sotto una luce che ti fa propendere ora per il tatto e la delicatezza di un/una poliziotto/a in un caso, ora invece sei ad interrogarti sul perchè siano così sciatti e sciagurati in un lavoro che è più da psicologi che da poliziotti.

Un discreto film francese.Secondo me i film francesi si riconoscono da un qualche tratto che non so definire.boh!.
Io ne consiglio comunque la visione. E' uno squarcio in docu-fiction di una realtà che personalmente tendevo a ignorare.

La talpa di Tomas Alfredson

2012-01-26T09:47:00.000+01:00

Magnifico film per tutto. Io, almeno, non rilevo difetti. Emozionante come un film di quel genere deve essere.

La marcia in più è che, in quella che ormai si può definire la "poetica narrativa" di Tomas Alfredson (io ho visto due film, non credo ne abbia girati altri), offre piani di lettura diversi per modi di intendere diversi.
Questo è un film che puoi limitarti a vedere solo per il fatto narrato: la ricerca di una spia ai vertici del servizio di spionaggio inglese.
Oppure puoi vederci il mondo.
Come era allora. E puoi così pensare al mondo come è.

Ho letto il libro di John Le Carrè quando fu il tempo di leggere quel libro. E fu un bellissimo libro purtroppo inevitabilmente datato, inchiodato a quel periodo della storia che va sotto il nome di guerra fredda. Il libro parlava di quegli anni a chi viveva quegli anni e traeva fondamento dall'esperienza di vita dello stesso Autore che aveva lavorato al MI6 per esserne poi cacciato, proprio come il suo Smiley (maestoso Gary Oldman). In questo il suo limite: oggi un ragazzo che legga quel libro non potrebbe che, credo, afferrare solo brandelli di un mondo che fu.
Il film, pur fedelissimo al libro, in varie occasioni mi pare ne prenda le distanze (non posso controllare poichè ho lasciato il libro nella casa e nel mondo dove abitavo prima) e introduce alcuni elementi narrativi per parlare a noi, eredi di quegli anni ("Lasciami entrare" non faceva la stessa cosa parlando di una storia costruita e ambientata tra bambini negli anni 70?). I bambini mostrati ne La talpa, educati da un ex(?)-agente del MI6 (Prideaux), non siamo ancora noi educati da quegli anni a quella scuola?
Insomma questo film parla al nostro mondo costruito sulle macerie di quello .
E racconta a tutti della frammentarietà della Politica, dell'incertezza, della illogicità delle scelte. In questo senso la dimensione artistica del film è ben più universale del libro: vale per tutti i tempi.

Dal punto di vista scenico sono splendide quelle atmosfere immobili, quella diffidenza, quegli incontri sospesi in una surrealtà dove il mondo è una scacchiera e gli agenti sono pezzi e i nomi sono quelli di una filastrocca inglese, ma dove il mondo è al tempo stesso assente (non c'è chi compra il latte, non c'è uno che ha mal di pancia: tutto è brumoso e chiuso all'interno di una lotta di spie che danno la caccia ad altre spie ed è persino assente un giudizio morale sulla "bontà" di una o di un'altra parte). C'è una sola concessione al mondo reale ed è il tradimento della moglie di Smiley proprio con la Talpa. Moglie che, a conferma di questa interpretazione, non ha un volto. tutto è costruito in una logica chiusa da "internal affairs".
Eterogenesi dei fini: due parti si contendono il controllo del mondo ma il mondo è assente. Non vediamo mai una donna in questo film (Irina a parte, ma solo per economia narrativa!) eppure per una breve sequenza viene inquadrata una scritta su un muro ( ancora una licenza che Alfredson si prende per raccontare a noi e per parlare al nostro mondo) quando inserisce qualche fotogramma con una scritta su un muro "The future is female".

Il film è costituito da dettagli. Se ne potrebbe scrivere a lungo. "Thinker, Taylor, Soldier ecc è una filastrocca da bambini per decidere a chi tocca e il "tocca proprio a te" è "Spy" in questo caso.
Sei tu, che guardi, tu lo spettatore, la possibile spia, quella che fa il doppio gioco. E' un caso che sia tu.
Ma sei anche tu, che guardi, lo Smiley di turno che deve catturare la spia (Prideaux dice al bambino "Osserva quell'uomo. Non mi piace per niente quell'uomo che non presta attenzione ai bambini che giocano ma guarda da un'altra parte", e indica te seduto in sala!).

John Le Carrè, mi sembra di aver letto nei titoli di coda, è il Babbo Natale della "festa aziendale" delle spie inglesi!!! Magnifico.

The Artist di Hazanavicious

2012-01-26T09:21:00.000+01:00

Forse ne scriverò più diffusamente, ma, per essere concisi dirò che è un film ruffiano.
A me non è piaciuto quasi per nulla e non credo che cambierò opinione dopo che avrà vinto 11 Oscar su 10 nomination, sfidando ogni legge matematica.
Mi è sembrato un film costruito per "piacere alla gente che piace" come recitava un antico slogan pubblicitario.
Aggiungo che è anche un film costruito per gente che "si piace".
Costruito per vincere premi.
Costruito per la lacrimuccia e il sorriso facile.
Ruffiano.
Perchè usare due parole dove ne basta una sola?

Felicità: istruzioni per un abuso consapevole

2012-01-14T00:01:00.003+01:00

di una felicità a mezzo servizio, di una felicità da minimo sindacale, non ho mai saputo, ne so, che farmene

prezioso perlage

2012-01-11T09:50:00.001+01:00

Acqua minerale griffata. E mica una griffe qualunque: BVLGARI (si legge bulgari, come il plurale di bulgaro, ma è sinonimo di lusso, con la "U" moscia).
Acqua minerale San Pellegrino firmata dal noto gioielliere di Via Condotti a Roma e in altri posti esclusivi del mondo. Etichetta dorata.Raffigurazione di gemme e di preziosi su bottiglia di vetro (a proposito: a quando bottiglie Svarowski?).

Troppo facile identificare l'acqua con la vita stessa. Chi più, chi meno, noi, esseri viventi, siamo costituiti da acqua per la gran parte.
Chi meno, appunto.
Chi non ha acqua

Troppo ovvio commentare che c'è troppa gente al mondo che non ha acqua per poter consentire a noi, che del mondo abitiamo la parte fortunata, di poter bere Acqva di Bvlgari.

Meno ovvio è dire che chi berrà Acqva Bvlgari avrà sempre più sete (parafrasando il noto passo del Vangelo di Giovanni).

J.Edgar di Clint Eastwood

2012-01-07T16:11:00.000+01:00

Solo poco prima dell’intervallo ho capito che il crunnnch…crunnnch non era parte della colonna sonora ma la festosa alimentazione di una coppietta che sedeva dietro di me.

Un film inutile. Si fa prima a dire ciò che il film non è.

Non è un film sul potere dell’informazione che sarebbe stato il sospetto ovvio visto il personaggio rappresentato: il capo dell’FBI per mezzo secolo, sopravvissuto a otto presidenti degli USA, grazie proprio a quel potere ricattatorio basato sui dossier.

Non è un film sulla vita privata, nel senso di non-pubblica, di J.E. Hoover perché tale vita, pur ampiamente illustrata nel film, ne esamina i clichè così come affiorano dalla reportistica, ma senza conferire ad essa quella nota artistica che fa di una narrazione un film e, trattandosi di Eastwood, un bel film. Ma forse è un film sulla vita “privata”, nel senso di “rubata” di J.Edgar che, per la sua ossessione rinuncia di fatto alla vita vissuta per intero e con dedizione maniacale, monastica, ascetica, si reclude in una turris eburnea fatta di solo sé stesso e pochissimo altro.

Non è un film sul Potere e sulla sua arroganza e presunzione di sé, sull’autoreferenzialità del Potere (come Changeling, ad esempio).

Forse voleva essere un film sulla psicologia malata del Potere: Hoover era notoriamente ossessionato dai comunisti e dai radicali, quando c’erano e quando non c’erano più.

Forse c’è un parallelismo fra l’amore possessivo della mamma e il sincero amore di Hoover per gli USA. Fanno male tutti e due all’oggetto amato. Ma se è così è un film banale. Se così fosse, “Evviva Ozpeteck”, gran maestro della banalità al cinema.

Non ho provato emozioni nel guardare questo film, in alcune parti addirittura noioso.

Non ho saputo individuare una qualsiasi nota poetica, ma forse è un limite mio. Mi vado inaridendo giorno per giorno…al limite del cinismo.

Una nota di merito, forse, per i costumi, la scenografia: una ricostruzione d’atmosfera d’epoca veramente perfetta.

Un film di cui noi potevamo fare a meno. Un film di cui Clint Eastwood poteva fare a meno.

la vita è fatta per essere dimenticata...

2012-01-06T00:06:00.000+01:00

non per essere ricordata.

Poco fa dialogavo con una mia amica intenerita e al tempo stesso intristita poichè sfogliava vecchi album.

Lei è giovane, molto giovane, eppure ha vecchi album fotografici.

Lei sfogliava i suoi ricordi
le sue istantanee
i suoi tabù
le sue madonne i suoi rosari
e mille mari
e alalà
i suoi vestiti di lino e seta
le calze a rete
Marlene e Charlot

....

inevitabile pensare al personaggio di Rino Gaetano anche perchè la mia amica ci sta proprio tutta, calze a rete comprese.
Ma il punto erano i ricordi.
Il punto è la vita.

Se la vita si ferma ai ricordi, si ferma.

Dimenticare invece... consente di vedere anche cose già note con occhio nuovo, come se accadessero per la prima volta.

La stessa casa, le stesse cose di sempre, se dimenticate, hanno un fascino irresistibile poichè le vediamo per la prima volta ogni giorno.

La curiosità che ci suscita il nuovo è ovvia. Noi, persone curiose.

Per mantenere la curiosità dell'intelligenza e del cuore bisogna aver dimenticato e costruirsi ricordi con le cose e le persone di sempre.
Soprattutto con quelle della propria famiglia.
Anche quando quelle persone diventano insostenibili per il grumo di ricordi comuni ai quali finiscono inevitabilmente per dar corpo.

Riscoprire curiosità insospettate verso l'ignoto delle persone che ci sono vicine: un esercizio per la vita. Intera.
Cara amica, le ho detto, fortunatamente sei giovane e puoi prenderti tutto il tempo per dimenticare.
Anche le cose che ti vado dicendo.

Sherlock Holmes. Gioco di ombre di Guy Ritchie

2011-12-28T15:07:00.000+01:00

Piacevole sorpresa al cinema per chiudere l'anno.
Cinema-cinema finalmente e non cinema per diventare DVD.

La lotta fra il Bene e il Male per ritrovare una definizione dai contorni netti ha bisogno di affondare le mani nella storica "Ultima avventura" di Sherlock Holmes contro la personificazione del Male, il Genio, anzi, il Napoleone del crimine, il professor Moriarty. E tutto per dirci che il Male è la specularità assoluta e perfetta del Bene, non dandosi l'uno senza l'altro e terminando l'uno con l'altro. Non c'è compenetrazione fra le due entità, c'è solo continuità d'azione e di pensiero, ordine e metodo, Logica.

In fondo, se fosse solo questo, saremmo allo scontato e al banale. Invece il film scorre con un modulo narrativo fantastico, che fa ampio uso di "virtuosismi" tecnici che meritano menzione e anche una notazione: qui la famosa capacità deduttiva, il Metodo, di Sherlock Holmes (ebbene sì, ero pronto all'ennesima menata su questa faccenda) viene resa con la potenza delle sole immagini e, a volte, con qualche parola di raccordo e con una velocità che illustra come mai altrove quanto l'intelligenza sia velocità di vedere e di pensare, come in una partita a scacchi nella categoria "lampo". Chi gioca a scacchi sa cosa intendo. Per chi non gioca ricordo che nelle partite lampo, cioè con un tempo dato inferiore a cinque minuti, la prospettiva stessa del gioco cambia, non essendo più obiettivo principale lo scacco matto ma avere più tempo dell'avversario, dominarlo col tempo a disposizione. Sherlock vincerà dominando il tempo e solo "per inciso" darà anche scacco matto. "Vedo tutto: è la mia condanna".
Qualche licenza sui travestimenti pure se l'è concessa lo sceneggiatore. Voglio dire che, almeno a mia memoria (ma le letture di Conan Doyle risalgono a 3-4 mie vite precedenti), il più celebre detective di Londra non è tale per i suoi travestimenti che qui sono resi in modo comico se non addirittura grottesco, quasi da ispettore Clouseau.
Punte di eccellenza assolute sono la fuga nel bosco, la lotta nel treno, e, infine la scena del ballo finale con annessa partita di scacchi.
Sono strepitosi i titoli di coda.

Forse per le atmosfere gotiche di queste Londre e di queste Parigi di fine ottocento mi viene evocata una curiosità su quelle sequenze con Sherlock sbavato di rossetto che a me ricordano molto il Joker (H.Ledger) del CavaliereOscuro. Ne sono forse in qualche modo una citazione, a proposito di Bene e Male? Nel Cavaliere Oscuro di Nolan il Male era la continuazione del Bene e viceversa, ancora una volta senza compenetrazione dell'uno nell'altro. Qui siamo alla decisa specularità, anzi, il rapporto evocato dal titolo (Giochi di ombre) è proprio che l'uno sta all'altro come l'Ombra alla Luce. Non si dà ombra senza luce, come pure qualsiasi luce se trova un ostacolo ne fa un'ombra.
La storia si svolge sulla linea d'ombra fra il passato e il futuro della rivoluzione tecnologica fin dall'ouverture: la macchina da scrivere. Poi l'automobile di Sherlock, le armi automatiche, l'avvento del cinema prossimo venturo e tanto altro.
Non ho visto da nessuna parte il celebre violino di Sherlock Holmes, ma forse mi è sfuggito. Certo i violini si fanno sentire, e in che modo, sulle sequenze delle danze gitane.
Io, però, come è noto, a tale riguardo non ho orecchie per intendere.

Ancora una cosa a futura memoria. Prima dell'inizio del film è passato il trailer del remake di "Uomini che odiano le donne" e mi ha ricordato che la prima versione cinematografica di quel best-seller ha sprecato l'occasione di trarre un buon film da una grande storia. Ne avevo già scritto: l'unica cosa buona fu Noomi Rapace a dare un corpo a Lisbeth Salander, il personaggio più affascinante e intrigante della letteratura contemporanea. Spero molto nell'opera di Fincher che vedremo in primavera. Intanto Noomi Rapace qui interpreta il suo personaggio comprimario senza infamia e senza lode.

Apprendo ora, mentre ne scrivo, che Sherlock Holmes avrebbe battuto negli incassi il cinepanettone di quest'anno ed è l'unica nota di speranza che ripongo nell'Italia degli ignavi di fine 2011

Biùtiful di Alejandro González Iñárritu

2011-12-02T03:01:00.002+01:00

Ho visto Biùtiful di Inárritu che inspiegabilmente continuiamo ad accentare sulla seconda "i".
Mi è capitato di vederlo ad una rassegna con molto ritardo poichè nel posto dove abito, Lanciano di Chieti, secondo l’insuperata espressione di Alberto Sordi nel finale di Polvere di stelle, Biùtiful non è stato proiettato a tempo debito.

E' un film che a me è piaciuto molto.
Il primo film di Inàrritu senza il suo sceneggiatore Arriaga (che intanto si era prodotto nel bel "the burning plain" perpetrando la poetica della frammentazione del tempo, dello spazio e degli individui mirabilmente congegnate in 21 grammi e soprattutto in Babel di Inàrritu).
Quindi è il primo film che interrompe questo tipo di narrazione per proporne una lineare, consueta, centrata su un solo personaggio Uxbal (ma quanti personaggi è Javièr Bardèm? un'interpretazione splendida!!!). La location scelta è Barcellona, ma non quella che conosciamo dalle nostre vacanze, dalle cartoline che ci sono giunte da lì. No. E' una Barcellona marginale ed emarginata, sconosciuta e irriconoscibile, oscura, fatta di luoghi e di persone che sopravvivono al mondo che li stritola e che li ignora: magrebini, senegalesi, cinesi, poveri, anzi, miserabili. Un mondo sottotraccia, brulicante di storie e altre storie, verminoso, sordido eppure con un suo codice d'onore. Solo in un paio di inquadrature, di notte e in lontananza si vedono le guglie della Sagràda Familia e trovo che questa scelta renda ad un tempo la distanza del modo in superficie e la distanza di una famiglia tanto idealizzata quanto impossibile. Quella cattedrale è in realtà un cantiere perenne come una famiglia, appunto. Così bella nel suo insieme, vista da lontano, tanto in disfacimento costruttivo quanto più l’occhio penetra il suo segreto.

Inàrritu ha dimostrato di saper essere un ottimo regista pur cambiando il registro della narrazione, e quella frammentazione mostrata in altre opere nella sceneggiatura e nel montaggio qui la restituisce esplorando le psicologie dei personaggi, dal protagonista Uxbal un "faccendiere" di piccolo cabotaggio che tutto fa e tutto farebbe, un Michel Clayton in sedicesimo, uno che aggiusta le cose, che si tratti di un bambino morto (riesce a sentire cosa ha da dire prima che varchi il limite dell'al di là)oppure che si tratti di procurare manodopera a basso costo per un cantiere, oppure che si tratti di assistere in carcere un venditore senegalese o sua moglie fuori dal carcere.
Uxbal è un "curatore ferito" , però. Come Chirone, come il Dott. House, come tanti di noi curatori. Ha una sofferenza fisica, un cancro della prostata che gli lascia pochi mesi di vita, che dà corpo alla sua sofferenza interiore centrata su un rapporto mancato con il padre che teme possa riprodursi in altre forme sui propri figli, in particolare sul più piccolo, sul maschietto. Questo della paternità è un tema già trattato da Inàrritu con Babel , ma ciò che lì era marginale qui diventa il tema centrale, ouverture e finale del film. Il fatto che i grandi cineasti maschi si stiano dedicando molto a questo tema può essere argomento di discussione accademica. Certo è un caso che un mio amico esperto di cose d’arte in questi giorni mi faceva riflettere sul fatto che la grande arte pittorica rappresentava la Sacra famiglia mettendo l’accento sulla maternità e relegando Giuseppe e la sua paternità a elementi marginali, di complemento. Che il cinema dei cineasti maschi si stia rivalendo? Mah…

Luci livide. Penombre. Muri sporchi. Disordine. Barbe incolte. Non c’è un particolare che si possa dotare dell’attributo “bellezza” in questo film. Bontà, invece. E’ un film che sa di buono, di cose buone.

Non è un capolavoro. Non è come Babel, ma nemmeno possiamo aspettarci sempre cose eccelse.
Emozionante come pochi altri film. Duro. Durissimo. L'ho visto due giorni fa e continuo a pensarci.

Ne scrivo come per liberarmene.

Anonymous di Roland Emmerich

2011-11-22T09:59:00.004+01:00

Il film riprende il tema della verità su Shakespeare e sposa la tesi che il Bardo fosse in realtà il conte De Vere alla corte di Elisabeth. Da questo pretesto Emmerich (già Independence Day, già 2012) fa svolgere il suo film come una narrazione sulla potenza delle parole, in politica, in amore, nell'arte stessa. Ora io che sono un tifoso delle parole, un seminatore di parole, dovrei spellarmi le mani ad applaudire un'operazione simile e un'opera simile. E invece.. . Se utilizzi un film per celebrare la potenza e la bellezza delle parole scadi nel banale quando lo farcisci di parole. Ancora una volta insomma il modo di narrare non è in grado di sostenere la narrazione. Il film è inutilmente parolaio, inutilmente ridondante di rimandi a Elizabeth, a Shakespeare in love (che però aveva una splendida sceneggiatura), e persino, inutilmente citante l'incesto labdacico. Inutilmente perchè queste cose, che pure avrebbero potuto avere un senso, uno sviluppo, sono messe lì invece in modo posticcio senza una necessità che le sostenga. Persino la trovata teatrale di prologo ed epilogo in tempi moderni a teatro e nel teatro poteva essere interessante. Invece... risulta slegata dal tutto e se non ci fosse non cambierebbe nulla nel film salvo la durata(130 minuti di pellicola).

Io di questo film salvo soltanto le ricostruzioni cartonate, nebbiose, bagnate di una Londra affollata come se fossimo su un palcoscenico.

Urla, schiamazzi, parole in libertà.

Raccontare le parole con un film dovrebbe essere innanzitutto immagini, atmosfere. Altrimenti è narrazione scontata, rumore. Tanto(130 minuti).

Tanto rumore per nulla.
Preferisco Emmerich di Independence Day.

dover potere o poter dovere

2011-11-20T15:37:00.000+01:00

Una storia fatta di "avrei dovuto" e di "non avrei dovuto"
è infinitamente meglio di una storia di "avrei potuto" e di "avrei potuto non".
Oggi:
Potrei non potere
Per alcuna ragione vorrei non volere

Non è, infatti, nell'indole del tarlo la contemplazione della splendida venatura di un legno.

quel tratto di strada

2011-11-08T22:22:00.001+01:00

Si era fermato.
Obbligato a fermarsi a causa di quella caduta. Era pur sempre stato investito da un'auto.Non aveva riportato lesioni apparenti. Si era rialzato e, dopo essersi scrollato di dosso la polvere, aveva anche ripreso il cammino.
L'auto non si era fermata. Il pirata della strada che l'aveva investito (alla guida c'era una donna, ma sembrava un demonio) non aveva neppure provato la curiosità di sapere che danno gli aveva arrecato e se gli aveva arrecato danni.
Ora però si era dovuto fermare, quell'uomo.
Aveva dolore. Dolore all'anca. Dolore al petto. Alla testa. Si tastava. Respirava corto.
Al collo aveva un cartello con la destinazione. Come gli autostoppisti
Non mancava molto, tutto sommato. Però non ce la faceva.Si vedeva che non ce la faceva più.
Fu allora che quella ragazza gli si avvicinò. Lo prese per mano senza neppure chiedere chi fosse e da dove venisse. Io non ho visto da dove venisse.

Gli disse soltanto: "Andiamo. Vado anch'io in quella direzione. E forse andrò più lontano di te"
Comiciò a camminare al suo fianco.
Silenzio e silenzio. Dolore e dolore, perchè anche la ragazza aveva male. Si vedeva da come respirava, con una smorfia stampata sul volto.

Quel tratto di strada lo iniziarono assieme.
Io, dopo un pò, li ho persi di vista.
Io ho continuato a giocare, papà.

Le parole

2011-10-28T19:01:00.001+02:00

Ci sono gli altri.
...e ci sono quelli come noi: attaccati alle parole.
Viviamo un minuto o un anno in più per le parole. Quelle dette e quelle non dette.
Così siamo capaci di morire. Per le parole.
Annettiamo alle parole il valore, il significato e il significante della struttura del pensiero proprio e altrui a seconda che le parole vengano da noi o dagli altri.
Nella logica le parole sono il primo oggetto di studio.
Si diagnosticano turbe mentali attraverso le parole, che da un pò si "curano con le parole", come cita l'ultimo (per ora) film di D.Cronenberg "A dangerous method".

Parole come gesti. Pietre diceva il poeta. E anche il filosofo.
Quello che per molti è un dettaglio, una parola, per quelli come noi diventa l'Essenza Suprema.
Nella foga di un discorso possono sfuggire al controllo le parole.
Nell'emozione di un evento si affollano disordinate e, a volte, inappropriate, le parole.
E ci sono volte che non le troviamo le parole. Restiamo ammutoliti travolti passionalmente dalle cose che vediamo accaderci intorno, dentro. Attornoeddentroassieme, a volte.

Noi viviamo di dettagli e ci piace lasciarci sfuggire l'essenziale per essere ghermiti e quindi catturati dalle sfumature, dai dettagli.
Quando fra noi ci incontriamo ci riconosciamo. Immediatamente. Un'aura maledetta ci circonda, come una sorta di "shining".

Accade qualcosa di magico quando capisco che le mie parole sono intese.
Viceversa, glielo leggo negli occhi: è felice perchè finalmente sa che ha trovato chi capisce le sue parole.

...naufragar m'è dolce in questo mare.
Di parole.

Ma non c'è nulla che valga il silenzio tra le parole.
Può durare attimi o anni, quel silenzio fa riposare le parole e i pensieri che le sostengono.

Sogni cedevoli

2011-10-25T10:26:00.000+02:00

Dàtemi un sogno d'appoggio
e solleverò il mondo

This must be the place di Paolo Sorrentino

2011-10-21T00:26:00.000+02:00

Questo è un bel film, ma non abbastanza.

Chi è Cheyenne? Questa domanda mi ha consentito di vederlo fino alla fine, chè, altrimenti, c’era da abbandonare la sala per qualcosa di altro, di migliore.

Ogni film di Sorrentino è una promessa per il suo prossimo film che non potrà non essere un capolavoro, mi dico. E invece siamo sempre a una promessa che rimanda alla prossima promessa. Così era stato anche per il suo ultimo lavoro e quindi questo doveva, non poteva non essere, il capolavoro.

E’ stato già detto: fotografia strepitosa, comparsata di D.Byrne pure, paesaggi d’America come un europeo, e per soprammercato italiano-napoletano, pensa che debba essere vista e l’America al cinema, coi suoi paesaggi da cartolina, le sue lunghe strade verso qualcosa che sia lontano, che sia più in là, i suoi cieli troppo alti o troppo bassi, le sue pompe di benzina, …. E quella musica che dà corpo alla ricerca del posto, proprio quel posto, quello “giusto”. Giusto per che cosa?. Una ricerca scontata, narrata da altri in altro modo, anche migliore, spesso migliore: il padre, l’aguzzino ex nazista, il figlio, un posto nel mondo, una maturità…. Solo questo?Tutto questo? Veramente non c’è altro sotto questa narrazione?

Credo che faremmo un torto a Sorrentino se non potessimo ipotizzare che queste osservazioni deve essere stato il primo a farsele. E dunque: tutto giusto ciò che si dice su un film noioso e scontato. L’idea che c’è alla base però, merita attenzione perché questo è, a mio parere, il film più filosofico, anzi, più cerebrale, di Sorrentino dopo il suo mitico esordio nei lungometraggi con “L’uomo in più”

Per questo mi piace partire da quella domanda all’inizio.

Cheyenne è un adulto che sa di esserlo e non un Peter Pan, un bambino mai cresciuto, come molti critici hanno voluto rilevare. Cheyenne è la maschera che prende corpo ogni giorno.Un trucco vistoso e che gli pesa (quello sbuffare di continuo contro il ciuffo ribelle). Il trucco sfacciatamente ripreso dal leader dei Cure, comprese le Dr.Martens ai piedi. Il film inizia con il rito del trucco, si presenta proprio dicendo che quello che stiamo per vedere non è che la maschera di ciò che dovremmo vedere. Il trucco è maschera. Maschera per antonomasia è un personaggio Pirandelliano. Non è forse in cerca d’autore Cheyenne? Non è forse un Mattia Pascal alla ricerca di una nuova identità dove alloggiare il suo corpo vecchio? Non è forse la maschera di uno, di centomila e infine di nessun ragazzo invecchiato senza riuscire a vedere mai nulla oltre la propria dimensione giovanile? La poetica di Sorrentino, del resto, è questa. Sempre. Da sempre. La poetica dell’uomo-maschera. Mi viene in mente un film antico di Ingmar Bergman “Persona” (eh, sì, da ragazzo riuscivo a sciropparmi tutti i film che mi capitavano a tiro!). Persona è la Maschera del teatro latino. E Cheyenne recita il suo personaggio su un palcoscenico che è anch’esso maschera, un paesaggio truccato: voglio dire che l’ambiente recita una parte non meno del protagonista in modo molto più sofisticato, molto più elaborato di un qualsiasi "Truman show".

Il film lo leggerei più dal punto di vista di coloro con i quali Cheyenne viene in contatto volta a volta(a proposito ottimo, Sean Penn, figurati senza doppiaggio, ma io, come dice un mio amico, o vedo il film o leggo i sottotitoli).

E’ a mio parere lì la chiave del film: quanto Cheyenne cambia la vita delle persone e delle situazioni con le quali viene a contatto? E le cambia sempre in positivo, con soavità, persino, la vita dell’aguzzino nazista sarà più leggera dopo la visita di Cheyenne potendo finalmente ripagare un’umiliazione inflitta al padre di Cheyenne ad Auschwitz.

Cheyenne dunque è già adulto e non cerca sé stesso nel New Mexico (grande battuta!). Frequenta la rappresentazione degli Stati Uniti (le pompe di benzina, i bar, quelle case ai margini del nulla, …). Un adulto che non trova però “il posto giusto” per essere adulto senza maschera (qui finisce Pirandello, ma finisce anche la bellezza del film).

Il posto giusto, nel film diventa la casa di un bambino senza padre, di una donna senza marito-compagno, come tutti i personaggi di questo film privi di ciò che dovrebbe essere complementare di una persona. Se definisci uno come figlio hai automaticamente definito che c’è da qualche parte un padre. Se hai definito una madre il complemento è il padre-compagno-marito. La madre di Tony è priva di Tony. La ragazza “triste” che non vuole mettersi con il “triste” Desmond. L’unico completo in sé è proprio Cheyenne che è autodefinito in quanto maschera. Uscirà dalla maschera nel modo veramente becero che Sorrentino ha trovato (la sigaretta come cosa da adulti).

La trolley che, durante il viaggio, sostituisce la borsa della spesa su ruote che esiste da molto prima della trolley da viaggio, è la maschera del modo per alleggerire il peso (dei due ragazzi morti, per esempio) e per definire meglio ciò che siamo oggi, consumatori e turisti, giammai viaggiatori.

Il tema dell’Olocausto. C’entra poco ed è infilato a forza nel film. Viene da pensare che siccome il distributore in America è Weinstein, lo stesso de “La vita è bella”… sia stata un’esigenza commerciale! Mah! Comunque troppa carne al fuoco che Sorrentino non sembra aver padroneggiato a sufficienza.

Ci sono cose che mi sfuggono. La maggior parte, forse.

La piscina vuota dove vediamo Cheyenne in competizione, agile e scattante come un ragazzino, in contrasto con l’andamento del resto del film.

Una cucina dove curiosamente c’è scritto cucina.

L’incontro con l’inventore della trolley.

Sì. La sceneggiatura per reggere un simile impianto di idee è risultata scarsa. Momenti di grande cinema alternati a noia e a battute da cabaret.

Il prossimo film di Sorrentino però, non potrà che essere un capolavoro.

E’ per questo che il suo film d’esordio resta il migliore: Sorrentino cerca continuamente di migliorare quel film e invece potrebbe finalmente fare un altro film.

This could be the place. Means that…will be the next!

A dangerous method di David Cronenberg

2011-10-02T10:41:00.000+02:00

“A volte per continuare a vivere bisogna fare qualcosa di imperdonabile”. Così recita verso la fine per conto del Regista uno dei personaggi di questa piéce teatrale in versione cinematografica.

Provo a rileggerlo nei pensieri che mi restano dopo averlo visto questo film. L’oggetto della storia è vero e riguarda la passione che travolse Carl Gustav Jung e Sabina Spielrein, una sua paziente, che poi sarà medico psichiatra anch’essa. Sul filo di questa passione si svolge anche una disputa scientifica sulla definizione dei territori della psicoanalisi stessa tra il giovane promettente Jung e l’anziano, affermato Maestro, Siegmund Freud. A complicare, o a facilitare, lo scorrimento delle vicende si inserisce Otto Gross, altro medico psichiatra cocainomane.

Per restare in ambito psicanalitico, ops, psicoanalitico, Cronenberg ha fatto un sogno intorno a questa storia ed è la rappresentazione cinematografica che ne ha dato. Il significato del sogno trascende il racconto del sogno stesso .Perciò tanto è lineare la storia in questo lavoro, così è disturbante emotivamente. Credo che il significato, neppure tanto recondito del film-sogno sia diverso da quanto mi è capitato di leggere qua è là nelle recensioni professionali da quando il film è stato presentato a Venezia.

Credo infatti che il significato e la cifra artistica del film sia tutta nella necessità di riaffermare cinematograficamente l’urgenza e la necessità della rottura di schemi consolidati, in qualunque ambito. Aprire porte (Freud) non basta, bisogna poi esplorare tutte le stanze (Jung), anche a rischio di esporsi a critiche e a malintesi. La rigidità formale della nuova “cura con le parole” non è sufficiente a chi è disposto a rischiare e per questo è pronto a rinunciare all’eredità morale di capo della nuova corrente scientifica. Cronenberg in più occasioni nel corso del film parteggia spudoratamente per Jung, anche quando moralmente sbaglia, soprattutto quando umanamente sbaglia (tace della sua pericolosa relazione con la paziente per un bieco quieto vivere, accademico e familiare):umano, troppo umano, verrebbe da dire. Parteggia per Jung ancora mettendo in ridicolo la rigidità formale di Freud con la sua “teoria sessuale” (“forse per i russi è diverso”, “psicoanalisi e non psicanalisi” e via dicendo). La Spielrein è il “catalizzatore” (viene chiamata proprio così da Jung) delle nuove idee che vanno prendendo corpo, da intendere in senso letterale: il corpo dei protagonisti. I corpi fuori posto nella vita di ciascuno che Jung vorrebbe riposizionare, “sostituendosi a Dio” (a detta di Freud). Lui ariano, lei ebrea. Lui svizzero, Freud Austriaco, e pure ebreo. Lui medico brillante, la moglie ricca quanto intellettualemte spenta. Lei masochista quanto lui sadicamente feroce (a proposito gli schiocchi nella libreria non sono acusticamente identici agli schiocchi delle scudisciate?).

La storia in sé è già nota e cinematograficamente è stata raccontata anche da Roberto Faenza con Prendimi l’anima. Ma qui, e questo è il merito principale del film, è raccontata con fini diversi: artisticamente universali.

Ciò che toglie punti al film è la recitazione manierata, scolastica dell’attrice che interpreta Spielrein.

Ciò che toglie punti al film è il non aver esaltato abbastanza la passione torbida che lega e continuerà a legare per sempre Jung e la Spielrein.

Ciò che toglie punti al film è che Cronenberg ci ha abituato a cose più visionarie, specie quando ha per le mani uno che si chiama Viggo e un altro che si chiama Vincent.

Eppure: un gran bel film!

ha proprio detto così! anzi, no: l'ha pure scritto

2011-09-24T18:05:00.001+02:00

Ufficio Stampa

Roma, 23 settembre 2011

Dichiarazione del ministro Mariastella Gelmini
"La scoperta del Cern di Ginevra e dell'Istituto Nazionale di Fisica Nucleare è un avvenimento scientifico di fondamentale importanza."

Rivolgo il mio plauso e le mie più sentite congratulazioni agli autori di un esperimento storico. Sono profondamente grata a tutti i ricercatori italiani che hanno contribuito a questo evento che cambierà il volto della fisica moderna.
Il superamento della velocità della luce è una vittoria epocale (il corsivo, però, è mio) per la ricerca scientifica di tutto il mondo.
Alla costruzione del tunnel tra il Cern ed i laboratori del Gran Sasso, attraverso il quale si è svolto l'esperimento, l'Italia ha contribuito con uno stanziamento oggi stimabile intorno ai 45 milioni di euro (e pure il grassetto è mio!).
Inoltre, oggi l'Italia sostiene il Cern con assoluta convinzione, con un contributo di oltre 80 milioni di euro l'anno e gli eventi che stiamo vivendo ci confermano che si tratta di una scelta giusta e lungimirante".

Questo riportato sopra è il testo ufficiale del comunicato stampa del Ministro dell'Istruzione, dell'Università e della Ricerca.
Commentarlo è un esercizio inutile e deprimente.
Come si dice in questi casi, troppi ormai: "In un altro paese per una cosa così un Ministro si dimetterebbe", per la vergogna, per la figuraccia, sicuramente dovuta a collaboratori ignoranti e sprovveduti, per la inutile conferma dell'ignoranza al potere.
Ma in Italia la vergogna per i propri atti e per le proprie parole si è dimessa da tempo.
Siamo rimasti in pochi a girare guardinghi e a occhi bassi perchè ci vergogniamo di qualcosa.

Ministro: e se andasse a tirarsi su con una serata di pizzica salentina?

Carnage di Roman Polanski

2011-09-19T22:38:00.001+02:00

Mentre guardavo il film mi dicevo “ecco, ora decolla”, “adesso arriva il colpo d’ala” dell’artista a dare un senso, una poetica, a questa lunga celebrazione del luogocomunismo. Al 79° minuto il film ha definitivamente rinunciato a decollare e ha spento i motori accontentandosi di una bella prova scolastica d’Autore e d’Attori (dove, ad esempio, capisci perché una Margherita Buy che da sempre interpreta la stessa faccia che forse è proprio la sua di sempre, avrebbe potuto sostenere la parte di Jodie Foster solo per il primo terzo del film non avendo nelle proprie corde l’escursione che porta la Foster a disumanizzare progressivamente il proprio volto pur partendo da una cifra propria della Buy. La Foster in questo film poteva recitare muta e capivi ugualmente). Veniamo al film.

Due coppie newyorkesi, in rappresentanza di tutta la società americana, sono messe a confronto in un’unità di tempo, di luogo e d’azione (una stanza, un pomeriggio, per appianare una lite con ferita fra i ragazzini figli delle rispettive coppie).

Da un possibile confronto “civile” fatto di buone maniere e di perbenismo, ciascuno dei personaggi disvela in crescendo una violenza intrinseca che attraversa ogni possibile schematismo, di censo, di cultura, di coppia, di genere e ogni volta che la regìa sembra far propendere per una visione appunto schematica di questa violenza, immediatamente dopo rimescola le carte promuovendo e disfacendo similitudini e alleanze.

La violenza che attraversa la società arriva via telefono, a tratti, facendo salire la temperatura interna alla stanza e portando in pressione il livore con il quale ognuno dei personaggi si relaziona con gli altri, con la storia parallela ma simile di un effetto collaterale da farmaco e con la presa di distanza dell’azienda farmaceutica di cui Waltz è avvocato, in spregio alla salute dei pazienti che quel farmaco stanno assumendo.

Non è tanto un film sulla violenza, dunque, quanto sulla legittimità morale della violenza stessa e questa legittimità morale si chiama giustizia nelle società complesse. E’ qui, temo, il limite assoluto del film: insomma Polansky sembra parlarci della Giustizia in relazione alla sua vicenda giudiziaria personale che lo ha visto accusato e condannato per stupro di una minore (almeno non era premier all’epoca!). Un limite al quale non sa però dare una dimensione artistica, e la scena finale del criceto vivo e dei ragazzini che giocano ancora assieme sembra dirci che quei ragazzini figli del Massacro di oggi sono gli autori/attori del Carnage di domani essendo tutta la società a tutte le latitudini (il Darfour, pure affiora nel corso del film) intrisa di questa violenza moralmente accettabile e, soprattutto, accettata. Tutti sporchi equivale a nessuno è sporco. Luogo comunissimo che Polanski ci poteva risparmiare.

Sia chiaro che il film è pressoché perfetto per come è costruito e per come è interpretato.

Purtroppo non basta una narrazione non sciatta a farne un bel film

Sogno e realtà

2011-09-07T00:59:00.002+02:00

Avevo un sogno.
E poi ho avuto sogni in quel sogno. Molti.
A volte, troppo spesso, mi sono perso nel mio sogno fatto di così tanti sogni.
Andavo allora a cercarmi. Mi hai fatto venir voglia di trovarmi.
Mi sono cercato tante volte, quasi quante le volte che mi perdevo.
E c'erano volte che avrei ormai lasciato perdere...
Poi trovavo te, non ancora me.
In te mi sono sempre trovato e sei per questo una parte di me.
Ed ero una parte di te.
Ed è stato portentoso trovarti e trovarmi: trovarci al termine di un sogno che è l'inizio di un nuovo sogno.

l'insostenibile peso delle parole

2011-08-27T02:59:00.000+02:00

Questa era una canzone piuttosto nota negli anni '60 in Italia, ed è parte della colonna sonora della mia infanzia. Un motivetto che ti restava inchiodato nelle orecchie. Il suo successo è andato oltre il suo tempo, infatti, da una piccola indagine personale viene fuori che persone fra i 25 e i 45 anni conoscono la canzone. Di quelli over 45 abbiamo già scritto.
Un verso di questa canzone recita "...il cuore mi batteva a mille all'ora".
Un modo sbagliato per dire "mi fai emozionare"?
Un modo elegante per dire "mi fai pena"?
Ad un rapido calcolo infatti ci si rende conto che 1000 di frequenza cardiaca per ora, corrisponde a 16,67 battiti per minuto, che è palesemente un battito lentissimo al punto da essere incompatibile con la vita.

E' l'illustrazione piuttosto banale, ma facilmente comprensibile della eterogenesi dei fini e cioè delle

conseguenze non intenzionali di azioni intenzionali.
Da una ricerchina su Wikipedia trovo che Giambattista Vico (1668-1744) è il primo filosofo che ha speculato in maniera sistematica relativamente alle azioni umane che nascono con un fine e poi ne raggiungono altri non desiderati. La sublimazione di tale pensiero la troviamo in Hegel benchè il copyright per la fortunata espressione spetti a Wundt (psicologo stutturalista). Altri, pure noti, si sono occupati in modo speculativo dell'eterogenesi dei fini : Adam Smith (economia), Hume (ancora filosofia), Machiavelli (politica).

Marinamarinamarinativoglioalpiùprestosposar...

Apri a chi non bussa alla tua porta

2011-08-23T02:59:00.001+02:00

Se qualcuno un giorno bussa alla tua porta,
dicendo che è un mio emissario,
non credergli, anche se sono io;
...ché il mio orgoglio vanitoso non ammette
neanche che si bussi
alla porta irreale del cielo.
Ma se, ovviamente, senza che tu senta
bussare, vai ad aprire la porta
e trovi qualcuno come in attesa
di bussare, medita un poco. Quello è
il mio emissario e me e ciò che
di disperato il mio orgoglio ammette.
Apri a chi non bussa alla tua porta
[Fernando Pessoa]

La capacità di riconoscere sentimenti ammantati di orgoglio richiede la conoscenza.
La conoscenza è un processo mentale e prescinde dai sensi.
Non deve esser necessario aver sentito bussare per aprire.
E sono più di quattro i modi diversi di morire in versi.

When you are old ... Quando sarai vecchia

2011-08-03T11:59:00.039+02:00

When you are old and gray and full of sleep
And nodding by the fire, take down this book,
And slowly read, and dream of the soft look
Your eyes had once, and of their shadows deep;

How many loved your moments of glad grace,
And loved your beauty with love false or true;
But one man loved the pilgrim soul in you,
And loved the sorrows of your changing face.

And bending down beside the glowing bars,
Murmur, a little sadly, how love fled
And paced upon the mountains overhead,
And hid his face amid a crowd of stars.

Quando tu sarai vecchia, tentennante
tra fuoco e veglia prendi questo libro,
leggilo senza fretta e sogna la dolcezza
dei tuoi occhi d'un tempo e le loro ombre.

Quanti hanno amato la tua dolce grazia
di allora e la bellezza di un vero o falso amore.
Ma uno solo ha amato l'anima tua pellegrina
e la tortura del tuo trascolorante volto.

Cùrvati dunque su questa tua griglia di brace
e di' a te stessa a bassa voce Amore
ecco come tu fuggi alto sulle montagne
e nascondi il tuo pianto in uno sciame di stelle.

Non una, ma dieci, mille ragioni, avranno spinto Angelo Branduardi, cantante, a dare corpo con la sua voce e le sue musiche a dieci ballate di W.B.Yeats e, fra esse, proprio a questa.

Migliaia di ragioni o forse una sola avranno spinto Eugenio Montale, poeta, ad apprezzare proprio questa poesia ed a tradurla nella versione sopra riportata.

Nessuna ragione, infine, per l'Autore, William Butler Yeats (Dublino 1865-Roquebrune Cap Martin 1939), ma un grande trasporto lirico per scrivere una poesia come questa per una donna che non ha mai ricambiato il suo amore, Maud Gonne.

Ha cantato Yeats, di questa donna, non il suo fulgore giovanile, non la sua passione bruciante, nè la sua bellezza (era una attrice), e neppure l'intelligenza acuta e brillante.

Di lei ha voluto cantare Yeats il momento più basso: la vecchiaia nel ricordo della freschezza di quell'amore unico, antico e attuale, che non poteva essere confuso con gli altri amori falsi e veri che certamente quella donna aveva avuto: l'Amore di quell'unico uomo che " loved the pilgrim soul in you, and loved the sorrows of your changing face".

Cose così riescono ancora a commuovermi, per tutto ciò che poteva essere.

E non è stato.

Se una domanda può essere posta, deve esserci risposta per quella domanda

2011-07-27T23:49:00.000+02:00

1+ 1 = 2 [coppia]

2+1 = 3 [famiglia]

3-(1+1) = [1 single +1 single + 1.]

1 + 1 = due volte uno. Solitudini senza essere famiglia.

Cosa accade dopo?
è una storia da scrivere ancora.

Vedrò! Vedremo.Vedranno.

Ricòrdati il regalo! No: regàlati un ricordo

2011-07-06T15:30:00.000+02:00

Ci si scambia regali. Fra amici, fra amanti, fra conoscenti. Gli scopi del regalarsi cose cambiano secondo gli attori e le circostanze. E secondo il regalo. Un mazzo di fiori, un libro, un orologio si caricoano di significato diverso se conferiti e combinati in una griglia che cambi ora l'attore donante o ricevente, ora l'oggetto. E un libro non è uguale ad un altro libro, come un mazzo di rose non è come fiori di campo o come una rosa sola. L'ccasione del regalo cambia il regalo: un compleanno non è come una laurea o un matrimonio.Significato e significante diversi.
Regali belli, brutti, doppi e tripli, utili o meno, preziosi e di scarso valore, originali e insuslsi, tutti rimandano a chi e al quando, nonchè al dove ci sono stati regalati. E accade che, pur ricevendo tanti regali nell'arco di una vita, di alcuni di essi proprio non riusciamo a ricordare chi fu, di altri non ricorderemo mai il perchè o, meglio, l'occasione, la circostanza. Regali, questi, avulsi dai ricordi.
Il regalo veramente indimenticabile , anche se non sarò in grado di dimostrare perchè, è quello scelto dal donatore secondo la propria cultura, i propri gusti, indipendentemente dalla cultura e dai gusti del ricevente.
Ho assistito in Scozia ad una discussione fra marito e moglie relativamente ad un regalo-souvenir da portare in dono al figlio in Italia. L'uno propendeva per un ferro da golf l'altro genitore per una felpa in pile. "Cosa se ne fa di una mazza da golf? non ci sono neppure i campi. Non gioca a golf. Nessuno in famiglia gioca a golf". "Sì! ma è un prodotto di questa terra il golf (non il ferro, che magari, era made in China). Noi porteremo un ricordo di questa terra a quel figlio che non è con noi. E anche se resterà sepolta in un baule la mazza da golf un giorno riemergerà fra le sue cose e testimonierà del ricordo di quando gliel'avremo consegnata. Testimonierà anche della sua delusione, chè magari, avrebbe voluto una tromba!". Questo era in sintesi il livello della discussione che mi ero fermato ad ascoltare mentre, a mia volta, cercavo souvenir per gli amici.
Presero la felpa. Utile. Chissà quante altre anonime felpe in pile? Chissà se quel ragazzo avrà conservato memoria di quell'utile, utilissima felpa?

In genere si scelgono i regali in base ai gusti e alle necessità presunti del ricevente. Si cerca di avere in mente un identikit di cosa può piacere o essere utile a Tizio o a Caia perchè poi, il loro piacere possa essere il nostro piacere quando il regalo riceveranno e ci sarà restituita tutta l'ansia del "piacerà o no?" che ci ha accompagnato per tutto il tempo della ricerca, della scelta fra i mille o fra i due regali possibili.

Per parte mia, da molto tempo e per il molto tempo perso a tentare di ricordare regali, oggi preferisco regalare ricordi.

Aspettare.Andare. Sognare forse...

2011-06-20T09:49:00.001+02:00

E venne il giorno.

Poi venne l'ora.

Arrivó anche il minuto.

Scattó il secondo.

Poi passó.

Tutto.

Se ne andó quel momento. E io con lui.

E vi dico che fu un bell'andare.

Ho vissuto tutto intensamente e non mi sono ancora annoiato.

Qualcosa di diverso. Un mondo migliore

2011-06-10T16:09:00.002+02:00

Mi càpita di occuparmi di film. Fra le altre cose.

Ogni tanto rivedo 2001:Odissea nello spazio di Stanley Kubrick. La visione e l'ascolto generano emozioni e pensieri che a volte riconosco come già noti e altre volte sorgono nuovi, emergendo da una qualche parte di me, dall'interazione con gli Altri o con altre cose.

E' quanto mi è accaduto oggi all'ennesima ri-visione.

Forse perchè siamo vicini ad un referendum che deciderà delle centrali nucleari in Italia (si vota dopodomani) ho notato la relazione fra la tecnologia mostrata nel film attraverso HAL 9000 (un computer in grado di scegliere quanto e più di un uomo, di molti uomini. Di scegliere, comunque!) e le riflessioni di un sociologo/filosofo tedesco allievo di Heidegger, Günther Anders (1902-1992) piuttosto noto nel mondo ambientalista colto, per aver elaborato dapprima la cosiddetta Teoria della divergenza tra quanto l'uomo è in grado di pensare e immaginare e quanto sia tecnicamente possibile realizzare. Il suo riferimento perenne era la bomba atomica, la catastrofe nucleare. Per questo scrisse un libro nel 1956, L'uomo è antiquato, a mostrare quanto indietro fosse l'uomo rispetto a ciò che era in grado di evocare senza poter poi controllare.

Günther Anders era uno pseudonimo. Il suo nome era stato Stern, Günther Stern. Figlio di Stern. Ebreo.

Il suo editore berlinese gli consigliò di assumere un altro nome, "qualcosa di diverso"(traduzione dal tedesco: Etwas Anders), gli disse.

A Berlino in quegli anni si era in tempi al di sotto di tutti i sospetti.

Günther Anders è uno dei fondatori internazionali del movimento antinucleare.

Günther Anders è un filosofo contemporaneo di grande qualità.

Günther è Altro (Anders) per scelta, obbligata prima, e deliberata poi .

A tutti i Diversi, Altri, Anders, cose felici!

Ma, soprattutto: grazie per averci aiutato a capire, per averci fatto pensare che un mondo migliore è possibile. A volte riusciamo persino a desiderarlo un mondo migliore.

Se...ppur

2011-05-26T19:48:00.000+02:00

Se dotta, è abbandonata

The tree of life di Terrence Malick

2011-05-23T15:10:00.001+02:00

Meraviglioso.

E’ proprio il film della meraviglia! Sferico nella sua composizione. L’immagine, la parola, il suono: dallo scorrere dell’acqua alle immagini silenziose del cosmo, tutto è meraviglia (sostantivo) e tutto meraviglia (verbo). E’ meraviglia tra le meraviglie la famiglia: quasi la differenza tra il nascere e il crescere degli uomini e degli altri esseri.

La composizione/competizione tra la natura e la grazia è quella famiglia raccontata in questo film. Essenza intima di tutte le famiglie (del mondo?). Chiunque sia stato amato, offeso, maltrattato o elogiato, o ancora tutte le cose insieme, in una famiglia, sa. Chiunque sia madre, figlio, padre oppure fratello sa.

Non solo non è narrabile un film così lirico, così intensamente religioso, ma non è neppure traslabile su altri piani, non è confrontabile con altre opere che pure appaiono esplicitamente citate (2001 Odissea nello spazio sopra tutte le altre). Per quante parole io possa trovare esse resteranno al di sotto della necessità.

La curiosità che abbiamo verso l’Autore, aumenta vieppiù ad ogni suo affacciarsi al mondo con una nuova Opera. E un Autore, un Artista parla al mondo con le sue opere. Malick ci priva di sue interviste e di sue riflessioni sull’universo mondo perché le sue riflessioni sono nell’Opera sua che resteranno sempre. Le interviste, i pensieri sparsi, le comparsate in tv nei talk show, passano. Ogni riferimento a Lars Von Trier non è puramente casuale. E’ voluto. Fortunatamente di Von Trier ci resteranno i suoi film e non le stupidaggini provocatorie che va dicendo in giro su Adolf Hitler. Noto e faccio notare che un altro grande Artista americano, scrittore, nulla o quasi concede di sé al mondo se non i suoi libri: Cormac McCarthy. E il cinema si è accorto di due sue opere grandi. Da tempo avrebbero dovuto accorgersene a Stoccolma!

Sono andato a vedere The tree of life muovendomi da Roccascalegna (Abruzzo, Chieti),di sabato sera per vedere il film a Pescara, 80 km più in là nel mondo, in una sala gremita, con un audio ottimo. Muovevo dalla casa della mia famiglia, dalla casa che mi ha visto bambino e che poi non mi ha visto più, se non per brevi soste nella vita. Muovevo dalla casa dove sono tornato a vivere nel senso più pieno del termine.

Ho visto il film la sera prima che vincesse la Palma d’oro a Cannes.

“Ama, meravìgliati, spera”.

Il giorno dopo a Cannes, a vincere la Palma d’oro, c’ero un po’ anch’io con mia madre, mio padre, mio figlio.

Habemus Papam di Nanni Moretti

2011-04-23T15:14:00.001+02:00

Se fossimo davanti ad un regista sconosciuto alzeremmo inni al capolavoro. Invece è Nanni Moretti che torna a fare i film di Nanni Moretti, che sono bellissimi, che a volte sono capolavori, che mi fanno intenerire e imbestialire, che mi fanno sorridere e che mi hanno fatto piangere.

Caos calmo e Il caimano non avevano questa caratura di opera d’arte. Questo film vede risollevarsi Moretti dalle secche dello scontato e dell’ovvio, quando non addirittura del banale. Sappiamo che in Italia è difficile che compaia qualcosa di nuovo all’orizzonte dal punto di vista narrativo anche cinematografico e ogni tanto ci fa piacere vedere che questo o quell’Autore mostrano l’estro e la genialità di percorrere strade nuove. Moretti a lungo ci aveva abituato ai nuovi percorsi e adesso ha ritrovato la sua originalità.

Questo film è un acquerello che tratteggia l’inadeguatezza di tutti noi e di tutti i nostri strumenti di fronte alla responsabilità. Parafrasando un aforisma celebre nel Diritto, “summum ius summa iniuria”, potremmo dire “summum officium summa insufficientia”. Il Papa è espressione di ciò che è la società occidentale cattolica, ma anche i cardinali (“non io, Signore, non io”), lo psicoanalista bravo, anzi il più bravo, ma neppure la psicoanalista scolastica, la politica, la polizia, i farmaci, la comunicazione, il popolo, lo spettacolo e infine lo sport (che ritorna anche lui dopo le assenze di Caos Calmo e del Caimano). Tutto è irrimediabilmente inadeguato per questi tempi.

Occorre qualcosa di nuovo.

Occorre qualcosa di urgentemente nuovo.

Epica in questo senso la chiusura di Habemus Papam che ricorda il Galileo di Brecht al suo allievo Andrea Sarti “Infelice la terra che ha bisogno di eroi”. E il Papa è un eroe nel quale si identifica una buona parte dell’umanità. Un eroe come Spiderman, fragilissimo, perché uomo, che “di fronte ad una grande responsabilità” arretra, è incerto, non ha parole, non ha gesti.

E’ chiaro che ognuno di noi viene toccato da temi di questo genere e reagisce in base alle proprie esperienze di vita. Ma l’Arte è questa: trasmettere un’emozione che ci penetri e non scivoli via. Chi ha visto per una volta sola Guernica di Picasso ha orecchie per intendere cosa voglio dire.

Non è un film che parla per metafore.

Non cerchiamo significati, tutt’al più troviamo significanti.

Capisco chi, nel clero, si è sentito offeso dalla rappresentazione del film. Non fa piacere che la messa diventi messa in scena e fa ancor meno piacere vedere cardinali e papa così fragili, così implumi, pur senza alcuna volgarità e neppure ironia. Bisogna che la tolleranza dei cattolici faccia uno sforzo in più stavolta. Li capisco.

Michel Piccoli è notevolissimo: stilizzato, liofilizzato, nel ruolo.

Nanni Moretti quando fa sé stesso è l’unica volta che può far l’attore.

Margherita Buy recita sempre lo stesso ruolo e dovendo essere qui inadeguata risulta grandiosa, tanto lo è.

Ma l’opera è notevole, il suo maggior pregio è il suo difetto: il solito Nanni Moretti. Finalmente.

Limitless di Neil Burger

2011-04-16T23:59:00.001+02:00

Mah! Un gran bell'avvio con i titoli di testa di questo film che prometteva di valere il prezzo del biglietto.
Per il resto, se non ci si fa distrarre dagli effetti visivi, una cosa che rimanda ad altre cose, in genere migliori: la mela proibita, Il Dr. Jekill e Mr. Hyde, Matrix,...altro. Forse.

Anemozionante. E dire che le premesse c'erano!

The next three days di Paul Haggis

2011-04-11T23:59:00.003+02:00

Lo so che molti storceranno la bocca quando scriverò che questo film mi è piaciuto moltissimo.

Bene, l’ho scritto, quindi andiamo avanti!

La storia è certamente improbabile e io nulla so dell’originale film Pour elle di cui questo film è un remake.

Un uomo tranquillo, un insegnante di cui l’unica lezione che ci viene mostrata affronta il tema del mondo irrazionale di Don Chisciotte. Quest’uomo viene scaraventato da un’esistenza familiare felicemente routinaria a quella ben più impegnativa di una moglie in carcere a vita per omicidio. Un figlio piccolo, e nonni anziani sono la sua vita residua, e battaglie legali fino alla Corte Suprema per protestare l’innnocenza della moglie contro ogni evidenza di prova.

Falliti tutti i tentativi leciti si carica di come far evadere la donna per ricostituire la sua famiglia, la sua vita interrotta.

E così, nel mezzo del cammin di sua vita, si ritrova in una selva oscura chè la dritta via era smarrita. L’antieroe Russel Crowe si addentra nei più profondi penetrali e sordidi della società americana, nell’Inferno. In questo metaforico viaggio mistico si inventa in un ruolo da fuori legge per infrangere regole che sente come inique.

Il tutto viene giocato sull’ambiguità del ruolo della protagonista della quale continuiamo per tutto il film a chiederci se sia veramente innocente.

Il film dura due ore e trentacinque minuti e ogni scena è cinema-cinema. La parola cede il passo all’immagine quasi sempre. La ricostruzione dell’omicidio di cui è accusata è, secondo me, un piccolo capolavoro: brevi flash in bianco e nero e senza parole. L’addio con il padre è una poesia di immagini e di silenzi. Il dito di quell'anziano padre sull'atlante a cercare il posto dove vive il figlio lontanto è tutto il dolore senza lacrime di chi sa e non può farci nulla perchè è la vita stessa che è così.

A me è piaciuta molto anche la musica: un delicato contrappunto a scene mozzafiato e ad un’angoscia irrisolta che pervade tutto il film.

La dimensione intima del protagonista è perennemente nella testa, negli occhi e nel cuore dello spettatore. La sua solitudine nelle scelte di marito, di padre, di figlio ci viene proposta con delicatezza ad ogni svolta della storia. La sceneggiatura è ottima e non si avvertono cesure o difetti, pur nell’improbabilità del racconto, che rivela tutta la sua pretestuosità solo per farci chiedere se sia giusto andare oltre le regole quando le percepiamo come ingiuste per la nostra vita?

La mia risposta è la stessa che suggerisce il film. E avevo questa risposta ben prima che il film fosse girato.

un mondo perfetto

2011-04-10T00:59:00.005+02:00

un mondo perfetto!

l'hai sognato per una vita.

Hai lavorato perchè si potesse concretizzare.

Hai definito tutti coloro che devono farne parte e svolgervi una parte.

Scopri infine che in quel mondo perfetto non c'è posto per te che perfetto non sei

Silvio Forever di Roberto Faenza

2011-03-31T23:59:00.001+02:00

Evvabbè! non ho resistito e, pur sapendo che sarei andato incontro ad una overdose di Berluscaina, sono andato a vedere "Silvio Forever" il film che parla Berlusconi. Sì, proprio così, non parla "di" Berlusconi: è proprio la vita di lui raccontata da lui medesimo, supportato qua e là da testimonianze di Mamma Rosa, di Pietro Cascella (quello che gli ha costruito la tomba), di altri artisti comici (Benigni, Rossi, Cornacchione).
Non dico da Roberto Faenza, ma da Gian Antonio Stella e Sergio Rizzo mi aspettavo di più, di meglio, di diverso.
La scelta di ricorrere solo a documenti ufficiali pubblici e già noti può avere una sua logica per illustrare l'uomo politico più spettacolare del mondo, ma siccome siamo sommersi quotidianamente da quest'uomo di cui non ci perdiamo neppure una scorreggia, il film si presenta immediatamente datato e incompleto perché Silvio intanto ne ha fatta un'altra (al momento in cui scrivo, durante una noiosa riunione, ha tenuto il discorso ai lampedusani). E si spiega il Forever del titolo: Silvio è stato, è e sarà sempre così come lo vediamo in questa carrellata che ci riporta alla memoria cose che abbiamo già visto e che ci rifiuteremmo anche di ricordare.
Un film ignavo che non dà una sua interpretazione del fenomeno Berlusconi ma, semplicemente, ne ripropone l'ennesima incombente, esuberante, travolgente, presenza. Nessuna citazione di film che hanno raccontato Berlusconi come "il caimano", draquila, ecc. Nessun film ha finora conferito una dimensione artistica a Berlusconi e al berlusconismo come fenomeno sociale di innamoramento.
Per restare allo schema del film non posso non citare invece "fascista" di Nico naldini (chi trova una copia me lo segnali) che otteneva un effetto straordinariamente comico semplicemente montando filmati dell'istituto luce sull'attività pubblica del duce: discorsi e azioni. Un'agiografia che Opportunamente montata diventava arte cinematografica.
Nel film di Faenza l'effetto ottenuto è invece una specie di "cura Ludovico" di kubrickiana memoria non di ripulsa però, ma di rassegnazione.
Sedotti e non abbandonati (purtroppo!). Questo siamo in questo 2011, anno 18 dell'Era B.

Torneremo a parlare di violini e di bellezza prima che tutto il tempo sia passato

2011-03-24T23:59:00.002+01:00

Una stazione della metro, 12 gennaio 2007.E' l'ora di punta. Gente che va, gente che viene.
Comunque di fretta, a causa di tempi scanditi da cause esterne alla gente stessa
Un signore meno che quarantenne, in jeans, T-shirt ,cappellino della squadra di baseball Washington Nationals tira fuori dalla custodia un vecchio violino e comincia a suonare.

Suona per 43 minuti diversi brani e, alla fine, ai suoi piedi ci sono 32,17 $.

Nei primi tre minuti della performance sono passate davanti al musicista 63 persone e solo dopo 6 minuti qualcuno si è fermato ad ascoltare. più di 1000 persone sono passate in quei 43 minuti.

La stazione della metro è a Washington.
Il musicista è Joshua Bell, uno dei violinisti più famosi al mondo, che si esibisce, di norma, con le migliori orchestre e sui palchi più prestigiosi. Per assistere ad un suo concerto occorre pagare cifre appropriate.
Il violino è uno Stradivari del 1713 del valore di 4.000.000 di dollari.

La performance è organizzata dal quotidiano Washington Post in accordo con il musicista per valutare quanto le persone non selezionate siano in grado di riconoscere ed apprezzare il talento e la bellezza in un contesto anomalo.

I brani eseguiti sono perciò stati scelti allo scopo.
Bell ha iniziato con la Ciaccona, dalla Partita n.2 in Re Minore di Johann Sebastian Bach, "uno dei più grandi brani di musica mai scritti, una delle più grandi opere compiute dalla storia dell'uomo", secondo il violinista .Dopo la Ciaccona, Bell ha eseguito l'Ave Maria di Franz Schubert. Le note hanno colpito in particolare un bambino di tre anni che voleva fermarsi ma la madre aveva impegni e quindi lo ha portato via.
Poi sono state eseguite: Estrellita di Manuel Ponce, un pezzo di Jules Massenet, e una gavotta di Bach.
Il violinista guardando in seguito il video ha osservato di essere sorpreso dell'indifferenza generale anche perché "stavo facendo un sacco di rumore...".
Il giornalista, che ha fatto un lungo servizio su tutto l'esperimento, con interviste dopo l'ascolto a persone che si fermavano per un pò e a persone che lavoravano nei locali della stazione, conclude dicendo che
gli americani "sono troppo indaffarati"e cita anche, a dimostrazione di questa tesi , il film Koyaanisqatsi di Godfrey Reggio (un film completamente privo di dialoghi con un passaggio a velocità progressiva dal mondo naturale all'intervento umano). Koyaanisqatsi, in lingua hopi, starebbe per vite in tumulto

Sono venuto a conoscenza di questa storia, sulla quale ho poi fatto personalmente qualche ricerca, solo qualche giorno fa, grazie al racconto di un'amica appassionata ed esperta di musica.
Non sono nè un appassionato nè tantomeno un esperto di musica, ma questa storia mi ha toccato perchè riconosco alla musica il valore di linguaggio universale, più della scrittura, ovviamente, più della pittura, scultura, parola e altre forme d'arte visiva. Condurre perciò un esperimento simile con la musica è decisivo per l'obiettivo che ci si è prefissati: il talento (il violinista) e la bellezza (i brani eseguiti) da riconoscere in un tempo e in un luogo dato, comunque fuori dal contesto nel quale saremmo propensi ad attenderci talento e bellezza.

Ecco: mi chiedo, quante volte abbiamo bisogno di altri che ci raccontino e ci facciano capire quanto è bello, quanto è importante ciò che ci è vicino perchè noi, da soli, non riusciamo ad accorgercene, presi e rapiti come siamo da altro e da altri?
Il paesaggio delle nostre giornate. Il cibo semplice quotidiano. I nostri amici.
La persona che ci vive accanto.
Semplicemente.

e(ste)tica

2011-03-18T18:18:00.001+01:00

Donne che vanno dal chirurgo estetico a rifarsi il seno.

Donne che hanno bisogno di un chirurgo etico per rifarsi il senno.

(in prestito. Da Alex Bergonzoni)

The fighter di David O. Russel

2011-03-14T00:39:00.002+01:00

Dov'è la differenza?
Il combattente, il lottatore, lo sfidante, the fighter, appunto, chi è?

Il film racconta la storia vera di Micky Ward che vinse il titolo mondiale dei pesi welther emancipandosi, come è accaduto a tanti campioni nel pugilato, da una vita, da un mondo, da un ambiente e, infine, o meglio, innanzitutto, dalla sua famiglia. E quindi l'attore protagonista Mark Wahlberg (MickY) è The fighter!

Ed è pure lottatore (fighter) il fratello Dicky, fatto di crack e di vita, quando si decide a riscattare anche sè stesso. Meritato l'Oscar come attore non protagonista, se per non protagonista si intende colui che sta per meno tempo sotto l'occhio della cinepresa. Secondo me è invece proprio Dicky il protagonista vero del film, il primo fra i lottatori. Che nel film ce ne sono anche altri. E tutti sono "il" lottatore!!! Ciascuno per sè e tutti per tutti gli altri.
Diventa una lottatrice (fighter) Charlene, neofidanzatina di Micky, che vede in quell'amore la possibilità per sè di combattere e riscattare una sconfitta che lei ha subìto al college.
Lottatori (fighters)sono pure tutti coloro che aiutano Micky nell'impresa, dal poliziotto-allenatore 'O Keefe, al manager di quartiere, proprietario di taxi, al padre, perenne vittima anch'egli di una famiglia matriarcale.
E veniamo alla strepitosa e strepitante madre-manager, con annesso coro di figlie ocheggianti. Esagerata. E' l'ultima ad accettare la sfida questa madre, ma ad un certo punto pure accetta e il titolo di "The Fighter" se lo merita tutto anche lei. Perciò complimenti alla produzione che ha deciso di mantenere il titolo inglese anche in Italia, lasciando così ambiguo il genere. Però, francamente, mi sfugge il motivo dell'Oscar come attrice non protagonista.
L'unica che non accetterà la sfida sarà l'ex moglie di Micky e in un happy end esagerato e melenso ci deve essere un qualche recondito personale motivo se il Russel ha ritenuto di dover tener fuori dalla felicità collettiva di tutto un quartiere questa donna. Mah!

Il film è emozionante come pochi. Ma ricalca molti altri film di storie pugilistiche che, magari, da un punto di vista stilistico e di azione, sono più meritevoli. Christian Bale è veramente eccellente.
La storia è bella. E, come diceva un grande Maestro del Cinema, Alfred Hitchcock, per fare un buon film occorrono tre ingredienti che snocciolava su tre dita con la sua voce bassa e profonda:

The story
The story
.....The story

il passato. se lo conosci...

2011-03-10T09:30:00.000+01:00

"Il passato è finito"
E io, coglione, esulto, aperto al Futuro e alla Vita.
Era il pomodoro

metafora

2011-03-08T18:23:00.000+01:00

Io sono il direttore di questo carcere.
Vivo con detenuti che qualcun altro ha deciso debbano stare qui.
Un carcere di cui non ho le chiavi nè per far entrare gente, nè per farla uscire. Io stesso entro ed esco quando devo e non quando voglio.
Prendo su chi arriva. Lascio andare coloro per i quali altri hanno deciso che siano aperte le porte.

Ergastolani: malati di una malattia cronica non guaribile.A lungo sono prigionieri della propria malattia ma senza particolari durezze.A volte la pena per loro si indurisce: è una riacutizzazione di malattia. Dura un pò ma poi passa, così tornano a stare male come sempre, senza asprezze particolari.
Detenuti con un termine alla pena: malati acuti, comunque curabili e soprattutto guaribili. Dimessi dal carcere quando stanno bene. Torneranno. Delinquere è come ammalarsi. Ci ricadono sempre.

Poi c'è il braccio della morte: condannati ad una pena capitale più o meno a breve. Sanno che accadrà, non sanno quando. Però il loro cammino verso la pena capitale è ormai solo "il miglio verde": l'ultimo tratto di strada fino alla morte.
Loro sono semplicemente più vicini di tutti noi altri alla morte.
Noi abbiamo altre miglia da percorrere prima di quell'ultimo miglio. Verde, secondo il noto racconto di Stephen King.

Ieri un detenuto del braccio della morte al quale è stata appena notificata l'esecuzione che avverrà entro una settimana mi ha fatto una curiosa richiesta. Mi ha chiesto di scegliersi il modo della morte.
Sul momento non ho capito. Ma lui, calmo, mi ha spiegato più o meno con queste parole: "Vede, io so che devo morire prima degli altri. Non discuto più neppure la mia innocenza. non voglio più battaglie attorno alla mia vicenda umana. Si conclude in un modo che non avrei voluto. Ma è così che va la vita ed è così che va la morte. Ho rimpianti. Non rifarei tutto allo stesso modo. Ma è andata così. Morirò entro una settimana.
Chiedo solo una cosa.
Non voglio morire per mano altrui. Non voglio morire con mezzi decisi da altri che neppure conosco. Non voglio morire secondo il rito previsto dal regolamento con l'iniezione letale in cinque fasi.
Voglio darmi la morte da me.
Non avendo deciso io di nascere e non avendo deciso io di morire, voglio almeno decidere come.
Riconsegno la mia vita nel modo più dignitoso che mi resta.
Voglio morire con la dignità che la mia vita magari non ha sempre avuto.
Voglio morire con il mio vestito migliore e con una iniezione che mi praticherò da me, vi dirò quale.
Morirò all'ora decisa. Non altererò in nulla tutto il resto. Semplicemente, morirò come avrò deciso di morire".

Mi è parsa una proposta accettabile, almeno non mi pareva di aver nulla da obiettare.
Morire, moriva lo stesso. L'esecuzione avveniva solo in modo diverso.
Perciò ho risposto: "Per me va bene. Devo solo chiedere l'autorizzazione al Ministro"

Stamattina ho parlato col Ministro. E' stato inspiegabilmente irremovibile.
"Nessuno può decidere come darsi la morte. Tanto meno chi è stato privato della salute".
"Della libertà, Signor Ministro, della libertà"
"Già! mi scusi. Della libertà. E' che avevo dimenticato di essere in una metafora"
" E dunque, Signor Ministro? cosa faccio?"
"E' vietato morire in modi difformi dalla Legge. E la Legge è molto precisa a riguardo. I malati devono morire secondo la volontà del Legislatore. Ehm...i detenuti, volevo dire. Maledetta metafora."
"E se il detenuto si oppone? Se rifiuta il cibo, l'acqua?"
"Abbiamo il Dovere Etico di nutrirlo e idratarlo. Con tutti i mezzi a nostra disposizione. Deve giungere alla Morte con tutta la Vita che riusciamo a garantirgli"
"Ecco. A me è parso che lui, da sè si garantirebbe ancora più Vita"
"Direttore. Ora basta.Non addentriamoci in sofismi. Applichi i regolamenti e la Legge"

E' trascorsa la settimana.
Il mio detenuto ha deciso e io l'ho assecondato.
Ho disubbidito alla Legge e non ho arrecato altro Male.

La scelta è il vantaggio che gli uomini hanno sulle bestie.
E io sono il Direttore di questo carcere, mica di un macello.

Il Cigno nero di Darren Aronofsky

2011-03-07T03:33:00.002+01:00

Disturbante questo film più di altri che trattano il tema del "doppio" e della relazione che un individuo può avere con il proprio doppio, con la propria metà oscura: Spiderman 3, Il Dottor Jekill e Mr.Hide, Shining solo per avere dei riferimenti.

Nina, la protagonista, da molto tempo frequenta il mondo della danza senza aver avuto ancora l'opportunità di emergere. Questa occasione le viene assegnata dal coreografo Thomas (Cassel) che però la vuole perfetta per interpretare due ruoli contemporaneamente quello di Odette e quello di Odile. Quest'ultima (Cigno Nero) nel Lago dei cigni è figlia del Mago malefico Rothbart artefice di un incantesimo che condanna Odette ad essere cigno di giorno e ragazza di notte. Solo la morte potrà rendere libero l'amore che lega Odette (il Cigno Bianco) al Principe che è invece insidiato dalla seduzione del Cigno Nero (Odile).
La coreografia di Thomas prevede però un unico personaggio Odette-Odile e tanto è perfetta Nina nella parte di Cigno Bianco quanto è inadeguata in quella da Cigno Nero.

Le allucinazioni e i deliri illustrati nello scorrere del film sono gestiti benissimo mantenendo una disturbante ambiguità tra il vero, il verosimile e l'irreale in ciò che accade intorno a Nina e non limitandosi a disegnare le due metà dissociate del solo personaggio principale come accade, direi, in tutte le storie e i film che si siano cimentati sul tema del doppio (Kubrick a parte).
Anzi direi che questa è la prima originalità del film. La madre di Nina (è lei il vero Mago Rothbarth autrice di un maleficio al contrario sulla figlia?) è un personaggio altrettanto doppio, quanto il coreografo Thomas. Invece rimane inesplorata la bella, conturbante e seducente Lilly, ballerina rivale di Nina nel ruolo di Cigno Nero, vista nel film solo per la sua mètà oscura.
L'evoluzione di Nina nel suo doppio è la cifra stilistica del film nella sua ora e mezza di durata. Non si è Bianchi e Neri. Ma si diventa, si può diventarlo.
E questa è la seconda innovazione di Aronofsky sul tema del doppio.
La metà oscura cresce in Nina progressivamente, attraverso una sessualità irrisolta e forse irrisolvibile, non solo e non tanto per l'orientamento. Cresce attraverso l'emergere di un sentimento spietato nei confronti della rivale. Cresce come cresce l'ammirazione-amore per il coreografo. E cresce fino ad un punto decisivo che prevede la perfezione nei due ruoli altrimenti impossibile contemporaneamente: una morte che sia vera e non solo scenica.

Questo è quanto credo di aver capito di un film di cui stento a fermare il ricordo con parole scritte, tanto la materia mi appare sfuggente.
E cercare di tradurre in parole il succedersi psichedelico delle scene, l'angoscia dei tempi e dei modi del film, con una camera a mano quasi perennemente a seguire la nuca di Nina, il dolore quasi fisico che si prova durante la proiezione, l'inevitabile coinvolgimento emotivo con le vicende di una ragazza in ansia per la sua grande prima prova di vita, mi porta a pensare che ne ho scritto poco e male.

Mi accorgo che nulla ho scritto del personaggio della ex prima ballerina, ormai vecchia per il ruolo, e che invece meriterebbe ben più di qualche parola.
Mi accorgo che nulla ho detto del motivo che può aver spinto Aronofsky a fare un film oscuro e diabolico scegliendo a pretesto la danza che è leggiadria per antonomasia.
Ci sarebbe tanto da scrivere su quanto dell'arte giunga a noi fruitori come bellezza assoluta e "di che lacrime grondi e di che sangue".
Mi accorgo infine che solo l'Oscar come miglior attrice protagonista alla Portman, secondo me, è un pò poco.

Tutte ragioni in più per rivedere questo film.

Chi?

2011-03-04T18:55:00.000+01:00

braccato dal giorno che arriva non meno che dalla notte trascorsa, richiesto dalla Morte quanto atteso alla Vita, invitato alle feste proprio quanto risucchiato nel vortice della solitudine, attratto dall'Amore dal quale è respinto, accolto nel Futuro prima ancora che sia terminato il Passato.

Come sarebbe, "Chi"?

Univoco

2011-02-26T00:01:00.001+01:00

Non c'è due senza Te

cose di labirinti in breve

2011-02-23T09:35:00.001+01:00

E chi l’ha detto che da un labirinto bisogna per forza uscire?

Il labirinto c’è solo per chi ne cerca l’uscita.

Non è cosa da ignavi un labirinto.

Se non puoi uscirne, se non vuoi uscirne, puoi viverci meglio. Puoi decorarlo, arredarlo, viverlo a tua misura.

E’ proprio giusto consumare energie fino allo stremo per trovare l’uscita in un labirinto? Sei assolutamente certo che quell’uscita valga la pena di cotanto sforzo? Sei sicuro, insomma, che fuori dal labirinto starai meglio? E se fosse quel labirinto il posto migliore dove vivere?

Non è obbligatorio essere soli in un labirinto. E non è detto che si sia soli.

E’ che si è abituati a pensarsi soli, se si è in un labirinto.

Il labirinto consente incontri. Come la vita. Ad ogni svolta. Ma cercarsi non significa trovarsi. E l’affanno non sempre vale la pena.

Il labirinto non consente scorciatoie. Anzi, la strada per l’uscita non è sicuramente la più breve dal punto in cui sei.

Siamo abituati a pensare un labirinto a due dimensioni su piano. Richiede uno sforzo pensare ad un labirinto con un percorso in tre dimensioni. E’ sovrumano lo sforzo per pensarne uno che contempli anche il tempo come percorso: un tempo labirintico.

Non aver paura di questo labirinto. Non è più intricato e complesso di quelli che hai già attraversato.

Quando sei in un labirinto non importa quanto tu sia vicino all’uscita. La strada per l’uscita infatti potrebbe essere ancora molto lunga. Posto che tu voglia uscire.

Il bello di ogni labirinto è la scelta, la ricerca, la curiosità del percorso.

Il bello è trovare l’uscita e non varcarla.

Il discorso del Re di Tom Hooper

2011-02-08T16:23:00.000+01:00

Sembrava una pièce teatrale per un pò.
I tempi, le scene, i dialoghi. Invece è un gran film per le luci, i primi piani, le musiche, la miscela elegante dell'esposizione delle scene, delle inquadrature.
La storia è nota ormai dopo il gran parlare che si è fatto di questo film. Giorgio VI il re è balbuziente ed ha necessità assoluta di essere 'attore', di parlare fluentemente al suo popolo. Un re, in tempi moderni per avere autorità, non si puó limitare ad apparire, gli dice suo padre, Giorgio V. L'autorità risiede ormai nella comunicazione e nelle forme con le quali viene esercitata. Un appassionato della parola recitata, un anziano aspirante attore, un logoterapeuta autodidatta, sarà la chiave della soluzione della balbuzie del re, ma non per meriti scientifici ( apprenderemo che non è neppure laureato).
Mostrerà invece una capacità che nessuno ha mai avuto nei confronti del futuro re: l'ascolto.
La radio è lo strumento ed è l'esaltazione del sonoro rispetto all'apparire visivo.
La balbuzie deriva al futuro re da una lunga serie di "correzioni" nel fisico e nello spirito del re bambino. Il suo organismo si è adeguato male ed è poi stato curato peggio (sigarette!!!!!!!!!! .... da una breve ricerca ho appreso che è poi morto di cancro polmonare il Re Giorgio VI. c.v.d.).

Tutto nel film è funzionale al taglio che Hooper ha deciso di imprimere alla storia.
Geniale il parallello con una sequenza di un comizio di Hitler :"Non so cosa dica, ma lo dice bene".
Geniale il posizionamento del protagonista che è al tempo stesso Figlio-Padre-Fratello-Marito di qualcun altro ma non ancora sè stesso e non si concede il bene della comunicazione poichè c'è sempre qualcun
altro di cui Egli è solo l'ombra che può farlo.Se dipendesse da lui e non dagli eventi resterebbe volentieri ombra, ma è intelligente ed ha capito che dovrà assumersi la responsabilità della Guida.
Geniali i tempi. Questo è un film angosciante. C'è sempre l'atmosfera di qualcosa di irrisolto come sempre nella balbuzie e nella difficoltà ad esprimersi.
Ho trovato un pò eccessivo il modo di rappresentare Lionel: un attorucolo che è una figura tutto sommato comica in un contesto drammatico per l'epoca e per il problema che tratta. Ma forse è una concessione allo spettacolo e alla godibilità del film. Geoffrey Rush comunque è bravo, come pure tutto il cast: sopra a tutti Colin Firth ma io stravedo anche per quell'attrice che interpreta la futura regina madre (Helena Bonham Carter).

Infine mi permetto alcune notazioni che vengono da una discussione con amici.
La balbuzie è un disturbo del linguaggio che in realtà comprende molti disturbi del linguaggio. Noi siamo abituati a pensare al balbuziente come a chi ripete bloccandosi su una sillaba, una vocale.
Quelle ci sono e sono le ripetizioni, uno dei disturbi del linguaggio. Poi ci sono altri disturbi come i "blocchi" della parola e sono appunto quanto mostrato in questo film.
Quello che chiamiamo balbuzie dovrebbe più correttamente essere chiamato "Disfluenze verbali".
Quanto sopra per fatto "tecnico".
Poi c'è un altro aspetto: quello che amici chiamano "l'umanizzazione dei regali inglesi", che sta sulle scatole a loro non meno che a me.
Credo però che qui e in un altro film, "The Queen", la figura dei Reali sia maschera dell'Autorità e della Responsabilità e dei modi di esercitarla. Altre figure non avrebbero reso appieno l'Autorità e la
Responsabilità, e poi la storia si prestava particolarmente: il fatto che il discorso fluente ci sia solo quando il momento è supremo, come l'entrata in guerra della Nazione credo sia la prova di quanto vado scrivendo.

"Il discorso del Re" lascia intravedere che il "casus belli" delle dimissioni di Edoardo VIII,sia solo apparentemente il suo invaghirsi di quella chiacchieratissima Simpson, ma è in realtà l'incapacità
politica a capire il dramma nel quale stava precipitando il mondo con Hitler a far decidere per un Re che regni, finalmente. A tal proposito si riveda la scena delle dimissioni del primo ministro.
"Si parva licet componere magna" Berlusconi se ne dovrebbe andare ma non certo perchè una tal Karima e tante altre gli hanno concesso le loro grazie a pagamento, come del resto pare facessero con chiunque, ma perchè ha sottovalutato gli effetti devastanti di una crisi economica mondiale sulle vite di tanta gente
di cui è responsabile in quanto capo del governo.

La versione di Barney di Richard J.Lewis

2011-01-28T18:50:00.001+01:00

Dovevano cambiare il titolo. Poteva essere “Barney” per esempio.

Chi non ha letto il libro, dal quale il film è tratto, in omaggio esplicito a Mordecai Richler, quando esce dalla sala si dovrebbe chiedere almeno perché si intitola così: “Barney’s version”.
La genialità del libro, infatti, stava nel racconto autobiografico di Barney narrante che dava la “sua versione" di fatti che gli erano accaduti nella vita rispetto alla versione che invece era ed era stata evidente agli occhi degli altri. La tecnica narrativa che ne era il sostegno faceva del libro un’opera assolutamente originale nel panorama letterario, almeno per le cose che leggo abitualmente.

Il film no. Non ha mantenuto questa originalità narrativa, ma, inspiegabilmente ha mantenuto il titolo.

Si badi bene: non vuole qui fare la solita tiritera sulle differenze tra film e libro! Ce ne sono, ce ne devono essere, e sono, a mio parere, anche molto ben giocate dallo sceneggiatore che ha fatto delle scelte andando a porre l’accento più sulla struggente, impetuosa quanto delicata, storia di un amore dal suo inizio alla sua lenta consumazione fino alla fine e oltre la fine (vedere il film per capire a cosa mi riferisco), piuttosto che sulla progressiva malattia che colpisce Barney, il Morbo di Alzheimer.
Non è altresì illuminatala figura di Boogie, il bravo-ignavo-amico-rivale verso il quale Barney del libro è insistentemente ed ironicamente un avversario ipocrita (la sua versione) mentre gli altri vedono solo la grande smisurata amicizia.
Neppure è esaltata l’accusa di omicidio e la dinamica attraverso la quale si arriva alla rivelazione della verità. Nel libro solo nelle ultime righe si scopre come è scomparso Boogie, come nel film nelle ultime scene, ma la delineazione dell’evento e del processo è una costante di molte pagine lungo lo scorrere del racconto scritto.E tutto questo serve allo scrittore per delineare la personalità di Barney. Nel film è quasi un orpello.

Il film è riducibile insomma alla storia d’amore. Ed è una bella, godibile commedia brillante.
Nel suo genere, un bel film. Nulla di più.

Giamatti (Barney) è veramente bravo e riesce ad avere una gamma di facce e di atteggiamenti attoriali che rivelano quanto ha studiato e realizzato bene il personaggio, o, ben di più del personaggio che interessa al film.

Dustin Hoffman ha la sua particina nella quale si diverte e fa divertire e serve a tirar su un po’ di interesse e di comicità per questa commediola.

Chi non ha letto il libro non sarà incuriosito a farlo vedendo il film. E questo è un peccato, anzi, è "il" peccato.

Almeno, questa è la mia versione del film.

Alla mia Nazione - Pier Paolo Pasolini con la voce di Gassman

2011-01-27T12:40:00.002+01:00

Non troverei parole migliori per questi tempi di questa Italia, per questa gente di cui io sono irrimediabilmente parte eppure distante.
Non cose di giudici. Non moralismi.
Etica e coscienza dell'essere. Questo sì.
Non abbiamo mai avuto i sogni di tutti gli altri.

A ciascuno, dunque, i propri sogni e i propri incubi.
La realtà, posto che sia vera, è comune.

Ponti. Viaggi. Persone

2011-01-18T12:53:00.000+01:00

Konisberg (oggi Kaliningrad) è una città attraversata da un fiume che delimita al suo interno due isolette collegate alla terraferma e fra loro da sette ponti.
Konisberg avrebbe già sufficiente fama per essere la città natale di Immanuel Kant e invece si rende interessante ai nostri occhi per i suoi sette ponti, al centro di un problema piuttosto noto in matematica.
Nella sua apparente semplicità il problema è se sia possibile fare una passeggiata che attraversi tutti i ponti senza mai passare una seconda volta sul medesimo ponte e che si torni al punto di partenza.
Eulero (un matematico del '700) fu il primo che sviluppò il problema elaborando la teoria dei grafi e concludendo nel caso specifico che la soluzione era impossibile.

Amiamo i problemi ancor più delle loro affascinanti soluzioni. Troviamo affascinante questo problema nella sua semplice enunciazione. Per la sua soluzione, anzi per le sue soluzioni, e per i problemi che dai ponti di Konisberg si crearono rimandiamo a trattazioni specialistiche.

Quando noi disegnavamo un mondo che non c'era prescindendo da quello che c'è, e, inevitabilmente, dopo un tempo più o meno lungo, tornavamo al punto di partenza senza mai ripetere le stesse cose due volte.
Quando stavamo insieme per il puro piacere di stare vicini con la parola, con le idee, con il sentire.
Quando discorsi aprivano altri discorsi e parole chiudevano strade e aprivano mondi.
Quando pioveva o c'era il sole, inverno o estate, e non lo sapevamo neppure.
Quando il tempo trascorso era trascurabile perchè non conoscevamo modo migliore di impiegarlo.

Ci dicevamo, appunto: "anche per oggi non siamo passati due volte sul medesimo ponte", proprio facendo riferimento ai ponti di Konisberg.

Ho avuto e ho la fortuna di incontrare e di fare cose con persone che mi consentono ancora di "non passare due volte sul medesimo ponte".
Da solo non ce l'avrei fatta. Forse.
Oppure, forse, avrei impiegato più tempo a tornare al punto di partenza.
Oppure, ed è sicuro, non mi sarei divertito così tanto.
Non avrei messo la vita in gioco, letteralmente in gioco, non in pericolo!

Un compagno di viaggio ideale è proprio una persona che non ti distrae dal viaggio e ti interessa lei stessa con cose continuamente diverse, eppure uguali perchè provenienti da quella stessa persona che non è mille persone diverse.
Il compagno di viaggio è esso stesso parte del viaggio, come non capirlo!
Tutto il viaggio, dalla sua preparazione fino al suo termine.
Tutta la differenza tra il viaggio e il viaggiare sta nel fatto che il viaggio ha termine prima o poi.

Sull'ultimo ponte, prima di imboccare la strada che conduce al punto di partenza spero di avere ancora la fortuna di non essere solo

Hereafter di Clint Eastwood

2011-01-07T00:45:00.000+01:00

Sublime Hereafter, se, etimologicamente, non fosse un ossimoro (sub limem sta per "sotto l’architrave" della porta, mentre Hereafter sta per “di là”, “oltre qua” e, solo se sostantivizzato con un articolo è “l’aldilà”)

Credo che la dimensione artistica del film sia veramente notevole. Il confronto del cineasta con la morte fino ad oggi si era tenuto al di qua del confine della vita nelle sue opere precedenti. Clint Eastwood delle sue altre opere ha conservato e, se possibile, ha qui esaltato il modo, la grazia, la delicatezza e infine la poetica del raccontare filmando. Chissà se anche la scelta di Dickens come parte della sceneggiatura non sia proprio per esaltare la forma-racconto. Tutto si tiene in una composizione mirabile, dalle immagini, ai suoni, ai dialoghi, ai silenzi, al montaggio e alla sceneggiatura.

In questo film, dunque, per ammissione consapevolissima fin dal titolo, il regista vuole gettare uno sguardo “di là”, oltre il limite della vita, per alcuni passi nella morte. Lo fa attraverso il racconto di tre storie che si intersecano una volta sola. La prima racconta la capacità di un operaio (Matt Damon) di ascoltare la voce dei morti, e suppone quindi che essi parlino ai vivi e, soprattutto, che siano lì, in un altrove da raggiungere. Le altre due storie riguardano un bambino che ha perso il fratello gemello,”una parte di sé stesso”, e una donna, giornalista e scrittrice di successo che è morta durante lo tsunami ed è tornata alla vita. In posti del mondo diversi e lontani si sviluppa il racconto. In un punto solo, in un solo momento, una fiera del libro (ancora il racconto come cifra del film) a Londra i tre protagonisti incroceranno le loro vite.

Il taglio del film è rigoroso e mantiene fermo in ogni aspetto l’assunto del titolo di voler raccontare la percezione possibile dell’aldilà, però non cede mai né a tentazioni religiose, né a quelle della new age, né, tantomeno si apre a discussioni sull’impossibilità dell’aldilà stesso.

Alcune cose fanno venire in mente Sliding Doors: il bambino che muore perché va in farmacia invece di suo fratello, le porte della metro che si chiudono salvando così la vita al bambino, la giornalista che rimane vittima dello tsunami perché va a comprare i regali per i figli del suo amante (e gli dirà alla fine che tutto è cominciato perché “non hai voluto comprare i regali per i tuoi figli”).

Da antico lettore di fumetti non posso non ricordare analogie con un numero di Dylan Dog “Il confine” che rileggo per l’occasione

Alcune sequenze faranno parte della storia del cinema: la ricostruzione dello tsunami, dall’impercettibile movimento dei braccialini appesi sulla bancarella alla devastazione improvvisa e imponente. Personalmente trovo che la sequenza più mirabile sia l’ingresso del bambino nella metro con la camera posta ad altezza di bambino, con il senso di angoscia creato dal fatto di non potersi sollevare per vedere oltre, “di là”, con la dilatazione del tempo creata dal tentativo di recuperare il cappellino quando qualcosa o qualcuno glielo fa cadere in terra, tra i piedi di una folla immensa e sconosciuta, una folla senza volto.

Alcune cose sono forse scontate, ma necessarie: il corso di cucina italiana dove Matt Damon si iscrive e si iscrive anche una ragazza. Il cibo per ritrovare concretezza in sé stessi: l’uomo è ciò che mangia! Né la ragazza né il sensitivo riusciranno in questo tentativo attraverso il cibo.

Da tempo so che le verità scientifiche devono essere provate, devono resistere ai dubbi. Clint Eastwood non si sottrae a questa sfida e accenna a prove anche nel film, chiudendole in un pacco di cartone affidato alla giornalista da una dottoressa già atea e senza alcuna concessione a cose oltre la morte.

Ho provato perciò io, come si fa oggi, come faccio sempre quando ho bisogno di sapere cose in medicina, a consultare la più grande banca dati medica esistente (Medline) per cercare documentazioni scientifiche in materia di aldilà. Ho consultato animato da un certo scetticismo. Dopo vari tentativi con parole chiave diverse ho trovato diversi articoli e studi pubblicati in merito, alcuni di essi anche recenti (2008). Il più interessante di essi è uno studio pubblicato su una delle riviste scientifiche più prestigiose (Lancet) nel 2001: uno studio di un cardiologo olandese su 344 pazienti che avevano subito un arresto cardiaco e che erano stati rianimati. 62 di essi avevano avuto una NDE (Near-Death Experience), gli altri hanno costituito il gruppo di controllo. In breve vi si afferma che si può escludere che nei racconti di queste persone vi sia una attività cerebrale interferente e che quindi quelle esperienze siano in qualche modo una elaborazione mentale ex post. Lo studio si chiude ponendo e proponendo il dubbio esattamente come fa il film. Quello studio è stato sottoposto a critiche e l’Autore ha risposto argomentatamente alle facili critiche, smontandole. E riproponendo il dubbio.

In fondo sono proprio le certezze a renderci conservatori nel senso più deteriore del termine: privi di curiosità!

Ho conosciuto io stesso un medico che ha avuto una NDE e che dopo un certo periodo di coma profondo e tornato “di qua” e la sua prima reazione è stata di pianto di dolore per la piacevolissima sensazione che stava abbandonando “di là”.

Ma queste sono altre storie, altri racconti.

Oggi è il giorno dell’ennesimo capolavoro di Clint Eastwood: Hereafter.

Grazie, Clint!

hacker o cracker ? Kidd o Morgan? romanticismo e realismo (l'una cosa non c'entra con le altre, ma scrivere evoca l'altra dalle une)

2010-12-30T23:59:00.107+01:00

Un libro mi capita tra le mani mentre cerco altri libri.

Quel libro è di Pekka Himanen e io non l'ho più da tempo, sedimentato altrove, in un'altra vita.

Attualissimo in tempi di Wikileaks.

Il suo titolo è "L'etica Hacker e lo spirito dell'età dell'informazione" (Feltrinelli, 2001).

Gli hacker, nella vulgata corrente, sono individui che penetrano i segreti informatici per acquisirne soldi, fama, potere.

Errore! questi sono Cracker, non Hacker.

L'assunto di quel libro è ancora originalissimo.

L'individuo e la comunità hacker ne sono emancipati dal rango di criminali informatici a quello di eroi e di apologeti della curiosità e della conoscenza mai soddisfatta.

E' ancora oggi innovativo il concetto di Etica applicato ad un campo che potrebbe sembrare immune da contaminazioni di tipo etico e morale.Eppure persino la criminalità efferata ha una sua etica (si pensi alle storie della malavita francese o più semplicemente alla mafia ormai letteraria e cinematografica dei Padrini).

Una sistematizzazione filosofica dell'agire hacker è doverosa proprio oggi che le fonti di conoscenza sono innumerevoli quanto incerte.

I meandri attraverso i quali ricercare la conoscenza e la verità su queste infinite strade sono riservati ad individui che hanno i mezzi, la possibilità e il tornaconto per trovarle.

Questo stato di cose porta alla costituzione di una casta sacerdotale: gli iniziati.

I sacerdoti sono coloro si incaricano di interpretare e di rendere partecipi tutti gli altri delle verità disvelate, ma solo essi hanno un accesso diretto e solo essi sono autorizzati ad interpretare.

Proprio come nelle religioni.

L'hacker salta il sacerdote perchè ritiene che gli individui debbano avere libero accesso a tutte le informazioni perchè il loro scambio possa finalmente favorire il progresso di tutti.

L'abilità dell'hacker nel procurarsi l'accesso è la misura della sua grandezza ed egli è un eroe della conoscenza, tanto più grande quanto più è abile (cioè quanto più è efficace la sua curiosità) saltando tutto ciò che è frapposto fra l'individuo e la conoscenza.

Non può continuare ad essere confuso un Hacker con un Cracker poichè quest'ultimo mette le mani su sistemi o, più spesso, su prodotti senza peritarsi di capirli. Il loro valore per il Cracker è dato solo dall'uso che se ne può fare.

Per il cracker, insomma, l'importante è avere un tornaconto, un risultato dall'accesso alla conoscenza.

Invece, secondo la definizione di Himanen, "Un Hacker è un entusiasta di qualsiasi tipo che può dedicarsi o meno all'informatica" che lavora per obiettivi, indipendentemente dal risultato.

Questa citazione ricorda curiosamente la descrizione dell'Uomo senza qualità di Musil, che agisce quanto a possibilità e non quanto a risultati.

Ma vengono in mente tante citazioni di fatti e persone di quando i computer neppure erano stati osati immaginare e c'era come oggi chi agiva per pura passione e chi per calcolo.

Uno di questi giorni pubblicherò mie impressioni di quanto vado leggendo della storia della Pirateria e del suo ambivalente inizio e del duplice tragico finale: quello romantico di Kidd, l'ultimo pirata, impiccato per non essersi adeguato al cessato interesse dell'Inghilterra a combattere la flotta spagnola, e e quello realistico di Morgan che rinuncia alla guerra corsara e alla vita libera del pirata e accetta la carica di Governatore di Sua Maestà in Giamaica.
Kidd combatteva la pirateria e diventò pirata. Morgan il pirata morì Governatore.

Viene in mente ancora il finale meraviglioso del capolavoro cinematografico di Quentin Tarantino "Inglorious Basterds".

Storie, persone, categorie, scollegate fra loro per tempi, modi e luoghi in una sorta di Babele incombente, apparentemente senza un' Etica eppure assieme in un sottile filo rosso...

Qualcuno dei valori dell'Etica hacker elencati da Himanen:

Passione,Libertà, Verità, Antifascismo, Accesso libero alle informazioni,Responsabilità, Creatività.

E molti altri che non elenco, ma che sono disponibili in rete.

Misuriamo un uomo, una donna, in base a questi valori e avremo la sua grandezza.

Facciamo nostra un'etica hacker, dunque. Magari anche senza aver mai visto un computer (falso poichè io scrivo un post su un blog e voi lo leggete, anche se non siete giunti fin qui, colti da sonno).

E' un buon proposito per il nuovo anno e per gli anni che ci verranno dati.
A ogni bambino auguriamo curiosità per sempre.
Ad ogni adulto stimoliamo la curiosità che aveva da bambino.

e il verbo si fece fuori

2010-12-30T18:11:00.001+01:00

E' imperativo riscattare persone da un passato senza futuro a un presente infinito.

Qualsiasi altro risultato è imperfetto

La bellezza del somaro di Sergio Castellitto

2010-12-23T12:18:00.000+01:00

Non ho capito.
Non ho capito perchè uno fa un film così.
Non ho capito perchè scelga di girare tante piccole scene (sketch, si diceva una volta) e di farne un film, tanto è slegato e slogato nelle sue articolazioni il film.
Non ho capito gli inutili movimenti bruschi della macchina da presa che irritano i labirinti (nel senso proprio della cinetosi o mal d'auto).
Non ho capito perchè evocare Raimondo Vianello e Sandra Mondaini di casa Vianello [gli originali contro una cop(p)ia sbiadita] nella scena sul lettone, oppure Sordi di tanti film, oppure Ozpetek di tutti i suoi film (qui manca per la verità la figura gay maschile ma è compensata dalla giornalista "de sinistra" e dalla figura della domestica rumena).
Non ho capito perchè scomodare il somarello che fa tanto chic.
Non ho capito perchè Castellitto, Morante, Iannacci (che però interpretando l'Armando è l'Attore ideale, megli che se interpretasse Iannacci), che sono persone serie e professionisti altrettanto si siano imbarcati in questa avventura.
Non ho capito perchè in una inquadratura si possa vedere il dorso di un libro della Mazzantini (Venuto al mondo) come una promozione di cattivo gusto visto che è co-scenggiatrice e autrice del racconto dal quale è tratto il film medesimo

Di tutto il film resta memorabile, perchè liberatorio, lo schiaffone di Castellitto alla figlia con motivi (perchè sono tuo padre) e di Iannacci a Castellitto (perchè potrei essere tuo padre).
Manca il ceffone dello spettatore a tutti i coinvolti nel film. Motivazione: perchè non vale il prezzo del biglietto.

E questo è il sommesso parere del somaro che sono e che voglio continuare ad essere man mano che invecchio.

La vita è una malattia sessualmente trasmessa

2010-12-16T12:20:00.002+01:00

Uno scambio di mail con mio figlio, un ragazzo, e un quasi contemporaneo scambio di opinioni su Trieste con una mia amica, una ragazza, mi riportano alla memoria Krzysztof Zanussi, il cineasta polacco.
Mi ricordo di quando eravamo ragazzi noi e discutevamo i suoi film così intrisi di fede cattolica.
Un ottimo regista e un testimone attento e soprattutto originale del nostro tempo.
Non voglio parlare di lui se non per citare il titolo di un suo film del 2000 che è il vero argomento di questo post (il titolo, non il film):
LA VITA E' UNA MALATTIA SESSUALMENTE TRASMESSA.

Al di là della genialità dell'affermazione, nel senso che la vita si trasmette per contatto sessuale come tante malattie (AIDS, Epatiti, Condilomi, ecc.), viene enunciato l'accostamento, anzi, l'uguaglianza, fra vita e malattia.
E per un Autore cattolico, anzi per uno che nel 2002, in data quindi successiva al film citato,è stato insignito del Premio Internazionale alla Cultura Cattolica, sembra un'affermazione blasfema. Tanto per dire, solo 10 anni prima il medesimo premio lo riceveva tale Joseph Ratzinger.

Infatti il film parla di altro e celebra la vita. E' la storia di un medico ormai sessantennne che aiuta a morire la propria madre e il proprio figlio ambedue gravemente malati. Solo l'incontro con una sua amica e uno studente di medicina riusciranno a incrinare il suo agnosticismo preparando poi un finale di grande coinvolgimento emotivo.

Torniamo all'assunto: vita come malattia sessualmente trasmessa.
Il concetto di vita come malattia deve prenderti quando hai a che fare con Trieste, perchè le radici della famiglia di K.Zanussi vengono da lì, e lì, a Trieste, Svevo sviluppò il suo concetto di "vita come malattia" e l'ultimo capitolo de "La Coscienza di Zeno" intitolato Psicoanalisi, la dice lunga in proposito.
Al tempo stesso rifiuto e impossibilità a guarire.

"Forse traverso una catastrofe inaudita prodotta dagli ordigni ritorneremo alla salute. Quando i gas velenosi non basteranno più, un uomo fatto come tutti gli altri, nel segreto di una stanza di questo mondo, inventerà un esplosivo incomparabile, in confronto al quale gli esplosivi attuali esistenti saranno considerati quali innocui giocattoli. Ed un altro uomo fatto anche lui come tutti gli altri, ma degli altri un po' più ammalato, ruberà tale esplosivo e s'arrampicherà al centro della terra per porlo nel punto ove il suo effetto potrà essere il massimo. Ci sarà un'esplosione enorme che nessuno udrà e la terra ritornata alla forma di nebulosa errerà nei cieli priva di parassiti e malattie"

Il corollario più vicino al luogo comune dell'affermazione è dunque che:
La vita è una malattia sessualmente trasmessa che ha sempre un esito letale.
Se l'uguaglianza di vita e malattia è vera, la morte ne è dunque la guarigione?

Eccezione è la fecondazione artificiale che, comunque effettuata, non prevede il contatto sessuale.

Il corollario più importante e meno luogo comune del precedente, quello che sento mio e vorrei che fosse patrimonio di tutti, in particolare chi mi è vicino per contatto, per sentimenti, per genìa o per corrispondenza intellettiva:
La vita è una malattia sessualmente trasmessa ad esito sempre letale che dà dipendenza.

Ecco: io sono un tossicodipendente dalla vita e prima o poi ne uscirò a modo mio.
Lo prometto.
...ma finchè dura ...è un bel durare.

la mia prima volta (al cinema)

2010-12-14T09:51:00.001+01:00

Sono stato invitato con altri da un amico a raccontare della prima volta al cinema.
Questo è il mio racconto.

Indimenticabile (per me e solo per me) il mio primo film al cinema.
Ero poco più che un bambino e vivevo a Roccascalegna (CH come Chieti e non Svizzera), paese privo di cinema allora come oggi.

Mio zio da un pò mi prometteva di portarmi al cinemaaaaaaaaa!!!!!!!!!!!!

Finalmente: regalo di una domenica pomeriggio. Preparato all'evento fin dal mattino. Agghindato da mia madre come si conviene per andare in città (uso termini esagerati: si trattava, appunto, di Lanciano di Chieti, inchiodata a questa subalternità provinciale da una delle battute finali di "Polvere di stelle").

Io e mio zio, uomini soli.

Mi scaricò sul marciapiede davanti al Cinema Imperiale.
Quel nome mi faceva sentire ancora più piccolo.
Mi diede i soldi contati per il biglietto e mi piantò lì.
Lo avrei ritrovato all'uscita, reduce da appuntamenti che amorosi, ho dedotto solo qualche anno dopo.

Il film aveva un titolo che non evocava nulla: "Che!".
Tutto il contrario di film che mi venivano raccontati da amici che avevano la fortuna di avere parenti in città e ogni tanto vedevano dei western.
La storia era carina e l'attore era bellissimo: tale Omar Sharif.
Si narravano le eroiche gesta di un eroe barbuto argentino dal buffissimo nome: Ernesto "Che" Guevara.
Quando qualche anno dopo avrei avuto diritto ad un regalo per la promozione di terza media avrei preteso una maglietta con quella faccia barbuta. E mio padre non potè non regalarmela: ehehehe! (mio padre era stato a lungo vicesindaco democristiano!!).

Del film non ricordo praticamente nulla.

Mio zio era anticomunista quando i comunisti forse ancora non c'erano e oggi è un signore anziano anticomunista anche se i comunisti non ci sono più.
Ha avuto una parte decisiva nel farmi scoprire un eroe comunista (lui non credo sapesse neppure chi fosse questo "Che", altrimenti avrebbe scelto un altro film in un'altra domenica).

Anni e anni dopo sarei diventato un comunista anch'io, ma uno di quelli con la tessera, con la giacca e la cravatta, lontanissimo da qualunque idea di rivoluzione armata, un abbietto riformista eterosessuale (lo preciso per dire che non ho mai avuto connotazioni che potessero configurare in qualche modo una qualsiasi nota di trasgressione).
Mio zio ha avuto anche una parte decisiva nel farmi scoprire la magìa del cinema, di quello schermo grandissimo, quel buio in sala ..., le poltrone a gradinata....
Queste parole che scrivo sono innanzitutto un ringraziamento per lui che avrà visto tre film in tutta la vita.

Un giorno l'attuale nipotino che tutti avete potrebbe scrivere di voi e di quando lo avete portato al cinema su una mailing list o su un blog o altrove.

Perciò, scegliete accuratamente il film per cui sarete ricordati da quel nipotino.

Noi credevamo di Mario Martone

2010-12-12T17:04:00.000+01:00

Tutta la differenza che ci può essere tra credere e sperare. Per intenderci, possiamo forse immaginare di declinare il catechistico “Credo” in un più addomesticato “Spero”? Certamente no! Così è per le rivoluzioni vere o presunte, per gli ideali di una gioventù votata a cambiare il mondo che scopre di sé stessa, quando gioventù non è più, che è stato il mondo a cambiare quella gioventù e che quel credo era una speranza non raccolta. Ad altre rivoluzioni e ad altri ideali delle ere geologiche delle gioventù (è proprio un plurale, non un refuso!) rimanda il film di Martone: ottimo e, soprattutto, abbondante, benché tagliato di mezz’ora rispetto alla sua presentazione a Venezia.
Ogni volta che il cinema o la letteratura hanno preso a soggetto l’epopea risorgimentale sono venute poi fuori cose egregie e a volte eccelse (Il Gattopardo per prendere due piccioni con la fava di un titolo!!!), ma qui la memoria non può esimersi dal ricordare “Bronte: cronaca di un massacro che i libri di storia non hanno mai raccontato”. Il film di Martone per me resta un po’ al di sotto di queste opere e ripete, tutto sommato, cose già dette e viste, sia pure in modo originale e in questa operazione sta la sua grandezza. Il cinema italiano potrebbe ancora attingere al pozzo del Risorgimento per fare opere magnifiche. In fondo da storie piccole e piccolissime di altre epopee (il west) sono venute fuori opere mirabili di cinema di altre nazioni e dell’Italia stessa.
La scelta della cifra narrativa, volutamente manierata, credo, con un dialetto scolastico cilentano, con dialoghi che nessuno avrebbe mai sentito da nessuno tanto sono inverosimili, e inserimenti di immagini attuali (un tombino moderno davanti al teatro dell’Opera a Parigi, una scala in griglia d’acciaio stampato ripresa da sotto nella prigione e infine una costruzione in corso d’opera in cemento armato nel Cilento) per dire che sì, stiamo recitando per voi spettatori l’ennesima replica del tradimento degli ideali e della loro contaminazione con la realtà. Recitando, mettendo in scena, ma la realtà non è questa: “ceci n’est pas une pipe” ci diceva Magritte illustrandoci "l’idea" di una pipa su un quadro celeberrimo.

Le conseguenze sono a cascata. Questo gruppo di persone, questa compagnia di giro di nobili e cafoni, si muove in realtà in un sottomondo che vive dei bagliori del grande mondo chiuso nelle segrete stanze e in quel sottomondo, che poi è il mondo reale, consuma tutte le proprie speranze scambiandole per fede indomita e scambiando i fallimenti per tradimenti e, purtroppo, viceversa. Il mondo di quelle stanze finirà nei libri di storia. La storia di una agiata famiglia meridionale che perde tutte le proprietà per la dirittura morale di un proprio figlio che non chiede la grazia al Re è cosa che resterà per sempre ignota. Effetto collaterale delle rivoluzioni.
Un Garibaldi lo vedranno da lontano e di notte e dal basso, i rivoluzionari vecchi e nuovi. Un Mazzini non lo vedranno mai , anzi, l’unico che ne avrà l’occasione è un certo Salvatore, contadino e ignorante, e sarà per una parodistica consegna di un pugnale per uccidere Carlo Alberto, consegna che avverrà a Ginevra poiché “a Torino non si trova un arma”. Manierismo e recita affettata, appunto. Non un difetto di recitazione ma una scelta tecnica, come pure gli occhi febbricitanti dei giovani della prima parte, fino all’insurrezione in quella nebbia che confonde gli amici coi nemici e i successi con i fallimenti e, ancora, gli insuccessi con i tradimenti.
L’incipit o, più giustamente, l’ouverture del film contiene in sé l’intero sviluppo del film con la fraudolenta derivazione sul frantoio che consente ai “signori” di derubare i propri contadini salvo poi organizzare con loro le rivoluzioni.
Martone perciò, non ha voluto semplicemente dire la sua su come è andata nel Risorgimento. La scelta pretestuosa di quel soggetto gli occorre per descrivere le ragioni di “questa” Italia di oggi ancora divisa fra scelte di “impossibile purezza” e di contaminazione realistica.
Sì, sarebbe proprio un gran film se fosse stato capace di parlare un linguaggio universale.
Il suo confinarsi alle dinamiche provinciali dell’Italia lo limita fortemente. (si pensi per un attimo al finale di Inglorious Basterds di Q.Tarantino e alla sua valenza universale, per l’Europa quanto per la Malesia…).
Cerco di dirla più chiaramente. Questo è un gran film per chi ne ha le chiavi di comprensione, cioè solo per alcuni italiani di una certa età che hanno avuto modo di vivere direttamente o indirettamente certi periodi e certi fatti della storia italiana anche piuttosto recente: la Resistenza, gli anni di piombo, e, temo, anche gli anni attuali, quando alcuni di quelli che vedranno questo film in età più avanzata potranno pensare :“noi credevamo” e invece scopriranno che avrebbero dovuto dire al più :“speravamo”.
E non mi riferisco ai soliti immarcescibili rivoluzionari di “sinistra”… però è un film che candiderei all’Oscar a rappresentare l’Italia, perché penso che potrebbe persino vincerlo.

possibile?

2010-12-01T12:51:00.005+01:00

Si pensi alle scene celeberrime di "Napoli milionaria" di Eduardo.
Il medico ha appena visitato la "piccerella" che sta molto male. E' necessaria una certa medicina. Purtroppo nella Napoli della immediata liberazione non tutto si riesce a trovare. Quella benedetta medicina non si trova in sessun angolo di Napoli, nonostante ricerche capillari e concitate. La piccerella rischia di morire. E con lei una famiglia. Una madre forzatamente troppo distratta. Un padre forzatamente troppo assente.

Lo spettatore apprende assieme ai personaggi che di fronte alle cure pur possibili (quella medicina esiste e, come vedremo, si troverà) ci può essere l'impossibilità di curare.

E' la rappresentazione universale di un problema che non si limita solo alla impossibilità di trovare un certo farmaco in certe situazioni (per l'oggi si pensi a quanti potrebbero non morire sol perchè curati con un antibiotico che in Occidente si trova per curare anche ciò che non è necessario curare).
Il problema non è solo per i farmaci, ma più universalmente, per le cure.

Nella civilissima Italia avere un arresto cardiaco nella cittadina romagnola di Lugo (tempo di intervento medio dei soccorsi dalla chiamata: 4 minuti)o avere un analogo problema nel centro di una analoga cittadina di provincia in Abruzzo per non scomodare la Calabria, fa la differenza che ci può essere fra continuare a vivere e morire.

Le persone anziane godono di assistenza e cure diverse secondo l'organizzazione dei servizi sanitari e sociali del posto in cui abitano. E continuano a vivere e morire in modi molto diversi geograficamente e politicamente determinati.
Una selva di norme burocratiche governano il Sistema Sanitario Assistenziale e spesso ci sono persone che neppure sanno di aver accesso possibile a determinati diritti.

Ovunque cure possibili. Spesso nell'impossibilità di curare.

Fa da pendant a tutte queste situazioni la ridondanza e lo sperpero di cure su pochi. Nord del mondo contro il suo Sud. Città contro campagna. Organizzazioni complesse contro improvvisazioni.

Resta la rappresentazione universale di Eduardo. Quella medicina si troverà e la offrirà gratuitamente proprio una vittima del mercato nero che non avrà ripicche e rancori.
Quella medicina rappresenta la solidarietà senza la quale nessuna cura è possibile.
Sentirsi parte dell'Altro è il segreto di ogni Cura.

Certo, non basta.
Infatti sempre Eduardo ci ricorda che oltre al farmaco: "Addapassà 'a nuttata"

Quando non passa quella nottata, la decisione è nelle mani di ciascuno con la propria malattia, con i propri cari, con le proprie credenze religiose se ci sono.

A cure possibili fa da pendant l'impossibilità frequente di curare.
A cure impossibili...

2010-11-26T21:35:00.002+01:00

Così sono, e son condannato a esserlo. Saró sempre fantastico, buio, tenebroso, bilioso. Ho ormai trent'anni e ho sempre fatto la guerra, per distrarmi da un mondo che non amo. E così ho lasciato a casa un grande romanzo manoscritto. Vorrei vederlo stampato, e non posso occuparmene perché ho questi sudici conto da curare. Se fossi ambizioso, se avessi sete di piaceri ... Se fossi almeno cattivo....... Niente. Mi conservo ragazzo, vivo alla giornata, amo il moto per muovermi, l'aria per respirarla. Morirò per morire.... E tutto sarà finito. [da "Il cimitero di Praga" di Umberto Eco]

A parte i trent'anni sento questo brano come il ritratto più riuscito che di me sia stato fatto.
E dire che Eco non mi ha mai conosciuto.
...oppure chissà, ...quella volta...

La vita sorprende una volta di più.
E io rischiavo di non essere all'appuntamento

P & P la lotta continua

2010-11-22T12:24:00.002+01:00

La lotta fra il Preservativo e il Papa continua. E' il primo però che questa volta mette a segno il colpo, come leggo sulla notiziola di agenzia che segue.

Roma, 20 nov. (Adnkronos/Ign) - Vi possono essere singoli casi in cui l'uso del condom è giustificato, ''ad esempio quando una prostituta utilizza un profilattico, e questo può essere il primo passo verso una moralizzazione, un primo atto di responsabilità per sviluppare di nuovo la consapevolezza del fatto che non tutto è permesso e che non si può far tutto ciò che si vuole''. E' quanto afferma Benedetto XVI, in materia di sessualità, nel nuovo libro intervista scritto dal giornalista Peter Seewald, dal titolo ''Luce del mondo'', di cui alcuni brani sono stati anticipati oggi dall'Osservatore romano.

''Tuttavia - prosegue il Pontefice - questo non è il modo vero e proprio per vincere l'infezione dell'Hiv. E' veramente necessaria una umanizzazione della sessualità''. Quindi il Papa ribadisce: ''Concentrarsi solo sul profilattico vuol dire banalizzare la sessualità, e questa banalizzazione rappresenta proprio la pericolosa ragione per cui tante e tante persone nella sessualità non vedono più l'espressione del loro amore, ma soltanto una sorta di droga, che si somministrano da sé''.

''Perciò - afferma ancora - anche la lotta contro la banalizzazione della sessualità è parte del grande sforzo affinché la sessualità venga valutata positivamente e possa esercitare il suo effetto positivo sull'essere umano nella sua totalita'''.

Ora io rimando a quando mi sono permesso di bacchettare sulle dita il Pontefice per la sua curiosa uscita nella quale invitava a non usare giammai il profilattico, neppure per prevenire l'AIDS (post del 31 marzo 2009 su questo blog). Registro che ha cambiato posizione.E io, delle posizioni del Papa ho rispetto massimo, quali che siano, anche quando non le condivido affatto come nel caso presente oppure in tema di fine di vita. Non commenterei neppure ma quando parla il Capo di una confessione religiosa e inficia con le sue posizioni assolute il lavoro di tanti operatori in un caso come l'AIDS ritengo doveroso testimoniare contro. Come fece Lancet (autorevolissima rivista medica) nel marzo 2009.
Eccezioni singole sono dunque ammesse.

Il crollo di ogni assoluto inizia da una piccola incrinatura.
La conoscenza vincerà sull'ignoranza.
Ma la strada è lunga assai.

R&R

2010-11-13T20:02:00.002+01:00

Ricordavo regali
ora
Regalo ricordi

Uomini di Dio di Xavier Beauvois

2010-11-13T19:34:00.002+01:00

Alcuni giorni fa ho avuto la fortuna di vedere questo film dove una traduzione non puntuale del titolo originale (Des Hommes et des Dieux) toglie molto alle intenzioni del film
La storia narrata è, purtroppo, vera.
Un gruppo di monaci francesi in un villaggio sui monti dell'Atlante in Algeria nel 1996. Cristiani i monaci, musulmana la popolazione. E musulmani i fondamentalisti armati. I monaci saranno rapiti e trucidati in circostanze misteriose dove, forse, non è da escludere la mano del governo corrotto locale. Solo recentemente qualche spiraglio di luce in questa vicenda che in Italia non ha avuto spazio tra le notizie, occupati come erano i media a darci conto delle mirabolanti imprese del pluripresdelcons.
Fede e carità. Determinismo e libero arbitrio. Forza e debolezza dell'Uomo.
Questo è il film, non solo uomini di dio.
C'è molto in quest'opera che ha tratti epici e tratti lirici, che alterna quotidiana miseria umana (con tutte le conseguenti debolezze e contraddizioni) al rapporto con il Divino. Elegante e poetico il periodico richiamo ai salmodianti monaci che riportano anche lo spettatore al rapporto con il Supremo.
Un’ ultima cena tra uomini che si concedono un bicchiere divino (ecco un gioco di parole che in originale non poteva esserci!) e senza traditori perchè non c'è nulla da tradire, solo debolezze e paure da affrontare e risolvere con sé stessi e con i propri compagni. Uomini che ora sono sereni poiché hanno scelto.E hanno scelto di restare tra gli uomini di un altro Dio. Epica quella ultima cena con i suoi primi piani sempre più ravvicinati, ora su un monaco ora su un altro. La musica che il regista sceglie per l'occasione è il Lago dei Cigni. L’epos evocato e la tecnica usata ricorda il duello a tre che chiude “Il buono, il brutto, il cattivo” di Sergio Leone.
Un aspetto secondario del film richiama il mio interesse. La figura del monaco medico che si prende cura tanto della ferita quanto dei piedi scalzi di una bambina, individua la malattia come uno degli aspetti delle condizioni di vita. Quel medico che percepisce il problema non espresso dalle parole, ancor più che da una visita, indica che egli è in possesso di una conoscenza che precede la malattia, che è consustanziale al suo essere uomo tra altri uomini prescindendo da altre differenze di età, sesso e religione (donna-bambina-musulmana)
Il rifiuto del Priore ad acconsentire alle richieste del capo dei fondamentasti nella notte di un Natale indica la medesima cosa: si può e si deve essere rigorosi senza tralasciare la possibilità di un dialogo fra culture e per questo cita a memoria il Corano ricambiato con un atto di rispetto dal musulmano.
Neppure diversi Dei giustificano violenze tra uomini. Sono gli uomini a compierle sia pure in nome, ma non per conto, di un Dio.
Un film da proiettare dopo qualsiasi discorso di esponenti della Lega Nord e in qualsiasi parte del mondo dove si predichi odio e diversità fra gli uomini.

malattia come filosofia

2010-11-04T23:51:00.003+01:00

La Filosofia si occupa della Vita e della Morte fin dalle sue (della filosofia) origini.
La storia del pensiero si è sviluppata attorno a questi temi attraverso i secoli.
La Vita dell'uomo, di cui la Morte è solo una parte piccola e, necessariamente, finale, è la madre di tutti i temi relativi alla Filosofia.

Da tempo però molta della condizione di Vita dell'Uomo è condizione di Malattia.
Molto più di prima, soprattutto nell'ultimo secolo.

La Vita degli uomini e delle donne, infatti, si è allungata, dilatata, innalzata, grazie alle migliorate condizioni generali di una larga parte dell'umanità (l'acqua potabile, il cibo, abitazioni migliori, ecc.), ma anche: farmaci, tecnologie sanitarie in senso largo (interventi chirurgici, diagnostica eccellente e altro di simile.
Perciò l'Uomo trascorre più tempo nella sua Vita. Ma...

Nell'ultimo secolo sono anche smisuratamente cresciute le malattie croniche e degenerative (tumori, malattie cardiovascolari, respiratorie, il diabete, ecc.).

A causa dunque dei due fatti congiunti (aumento del tempo di vita e aumento delle malattie croniche) l'Uomo trascorre una grande parte della Vita stessa nella condizione di Malattia, che è una condizione di vita dimidiata e che, certamente, non è Morte.
La Filosofia, dunque, salvo lodevoli eccezioni ancora sporadiche (mi viene in mente H.G.Gadamer e basta, ma io non sono un filosofo, pur filosofando) sta trascurando un aspetto decisivo ed essenziale, consustanziale alla Vita, almeno quanto lo è la Morte e forse ancora di più.
La condizione di Malattia necessita dunque urgentemente di una sistematizzazione filosofica.

Filosofi, datevi da fare.
Ricordatevi che la Vita è breve.

Benvenuti al Sud di Luca Miniero

2010-10-26T16:28:00.004+02:00

Non mi divertivo tanto al cinema dai tempi del primo Fantozzi (che non c'entra nulla).
Il film è dchiaratamente (nei titoli di coda)un remake del recentissimo "Bienvenue chez les Ch'tis", noto in Italia con il titolo "Giù al Nord".
Che dire?
Si ride perchè si è al cinema e perchè posti come Castellabate non possono che essere più belli di qualsiasi Brianza.
Si ride perchè tutti sanno che i luoghi comuni e gli stereotipi che sono pubblicizzati e ripetuti sul Sud (e sul Nord) fanno ridere.
Si ride perchè c'è una gran voglia di ridere in giro.

Intanto a Terzigno (Campania) c'è una guerra non dichiarata, ma pur sempre guerra sui rifiuti, con "scontri violenti fra dimostranti e Polizia) e il Ministro degli Interni Maroni (Lega Nord) minaccia il pugno duro.

Intanto il Ministro Bossi (Lega Nord) minaccia in altri modi sempre il Sud terrone e puzzolente (Sono Porci Questi Romani).

Ed è ormai uno stereotipo, un luogo comune, anche questo delle minacce e degli insulti ai quali ci andiamo abituando.
E noi, del Sud, ridiamo fiduciosi che no, non può esser vero! E' solo un luogo comune, che diàmine.

Speriamo.
Ma la speranza è un luogo comune.
Uno stereotipo

Wall Street di Oliver Stone

2010-10-24T19:35:00.002+02:00

Non ho visto Wall Street (ehehehe…) nel senso che non ho visto il lavoro precedente dello stesso Stone che fa qui un remake di un suo film. Questo, comunque, non mi è piaciuto.
1. È un film scontato, prevedibile e inutilmente ricco di particolari sulle finanze
2. E’ riccamente dotato di sponsor per cui non avrei dovuto neppure pagare il prezzo del biglietto (pessima peraltro la scelta di una Ducati Multistrada nera quando la Ducati fa delle moto che sono opere d’arte a cominciare dalla vendutissima Monster Dark, ma forse è proprio la ragione commerciale ad aver fatto inserire una moto non proprio riuscitissima in un film così). E non dico altro sui gioielli e gioiellieri promossi nel film. Banale invece la scelta di una Toyota Prius alla cui guida c’è l’unica idealista rappresentata nel film (come se l’auto ibrida benzina-elettrica fosse l’Utopia)
3. Non ci sono ragioni per giustificare numerosi accadimenti che si svolgono durante la trama
4. Viene sviluppato in modo melenso e debole il tema del rapporto padri-figli, siano essi biologici o meno. Viene persino scomodato un quadro di Goya, Saturno che divora i suoi figli, per illustrare quello che voleva essere il tema dei temi del film: padre-figlio, vecchiaia-gioventù, combattere la profezia, e, soprattutto, il tempo come elemento determinante (Saturno per i Greci si chiamava Crono). Goya, con qualche colpo di pennello lo ha fatto egregiamente. Stone, in 133 minuti di film non è riuscito a venir fuori dall’ovvio.
5. Il montaggio mi è parso al di sotto di ogni necessità in un film che voleva, tutto sommato, essere anche un thriller etico e, invece, è risultato essere in-etico quanto in-estetico nonchè anestetico, proprio nel senso del sonno, e non sarebbe male che un’eventuale parodia citasse proprio Morfeo e i suoi fratelli, tutti figli di Ipno (dio del sonno), a sua volta fratello gemello di Tanato.L’etica del "rischio morale" per cui l’operatore finanziario dovrebbe rispondere egli stesso del denaro che gli viene affidato quando invece non è così pare la riscoperta dell’acqua calda
6. Una nota positiva per il ruolo di Susan Sarandon e per la sua vicenda nel film. Già infermiera, si lascia prendere dal vortice della facilità del guadagno finanziario con piccole operazioni immobiliari fino a rimetterci ogni bene. Tornerà a fare l’infermiera ma conserverà (perché poi?) il desiderio di una ricchezza facile. Fin troppo scoperta la metafora per cui è più necessario occuparsi delle persone e delle loro malattie piuttosto che di un’aleatoria felicità basata sul danaro. Questo almeno è quanto ci propinano i ricchi personaggi messi in scena da Oliver Stone.

αντι νομος

2010-10-05T09:56:00.003+02:00

Arriva tardi
alloggerai male, ma ti sarai goduto il viaggio
Non fare da te
rischi di fare per tre e, anche se ti piace, ne avrai un piacere non condiviso
Fai il passo più lungo della gamba
ti sembrerà impossibile, eppure la tua gamba sarà più lunga di quanto tu credessi
Metti il carro davanti ai buoi
sarà il carro del vincitore e tutti si affretteranno a saltarci sopra

La paremiologia utilizzata per una rilettura originale della saggezza popolare ovvero: le parole che non mi sono mai state dette da mia madre e mio padre

"Inception" di Christopher Nolan

2010-09-25T09:42:00.001+02:00

Un gran bel film.
Da vedere una volta sola come un sogno.
Da rivedere decine di volte come un’opera d’arte e di ingegno notevole.
Sarà perché avevo lasciato Di Caprio nell’ultima scena di Shutter Island sulla linea di confine della follia, mi è parso naturale ritrovarlo sul confine fra il sogno e la realtà disegnato in questo film che avrebbe avuto bisogno tecnicamente del 4D.
C’è molto nel film e verrebbe da dire che c’è tutto quanto deve esserci in un film. Amore e morte. Paternità e maternità. Fede e ragione. Gioventù e vecchiaia. Determinismo e libero arbitrio. Neppure a dirlo, soprattutto: realtà e sogno, nonché sogno nei sogni. E tutto è tenuto assieme dal primo all’ultimo dei 122 minuti di durata, senza mai un cedimento, una sbavatura. Non incubi, non deliri, non allucinazioni, come mi aspettavo dal poco che ero riuscito a leggere prima. No, il genere che Nolan sceglie per raccontare la sua verità (?), affonda a piene mani nell’action movie e sembra che inizialmente volesse attingere all’horror. Shining soprattutto, ma anche Matrix, Il Cavaliere Oscuro, Blade Runner, nonché Minority Report sono riferimenti evidenti.
L’ illogicità fantastica che guida la trama è invece la logica ferrea che sta dentro ai sogni che obbediscono al principio di non contraddizione non meno della Logica classica. Una trama semplice come un’idea. Un abile ladro (estrattore) di sogni capace di insinuarsi nelle menti altrui per carpire segreti proprio durante i sogni viene ingaggiato per un’operazione inversa: innestare un’idea che poi possa germogliare e crescere al punto da modificare l’esistenza di un singolo individuo e quindi di tutta l’umanità.
Lo spazio e il tempo sono concetti relativi non al sistema di riferimento ma alla realtà onirica nella quale si svolge l’azione. E ci sono diversi livelli (spazi) esplorati. Il tempo scorre in ciascuno di essi in modo autonomo. E lo spazio viene disegnato da un architetto del sogno stesso. Quello stesso spazio che si sgretola al risveglio.
Occorre un “atto di fede” per vivere quella che riteniamo essere la realtà. Questa è la perturbante verità rivelata nel film. E il circolo del paradosso si chiude sia pur con un salto possibile solo in un sogno.
Ho ricordato Shining di Kubrick anche per ricordare la sua dichiarazione sul “perturbante” (Unheimliche) di Freud a proposito del blooper all’inizio di Shining stesso (l’ombra dell’elicottero). Ecco: qui il “perturbante” viene esplorato, analizzato, e “ciò che doveva restare celato viene portato alla luce” proprio nell’accezione che Freud ne diede : «Il perturbante è quella sorta di spaventoso che risale a quanto ci è noto da lungo tempo, a ciò che ci è familiare.». Veder il film per credere.
Avere scelto il sogno nel sonno per una trama così congegnata richiama anche etimologicamente le tecniche di ipnosi per far affrontare al soggetto temi propri del suo subconscio e delle sue proiezioni.
Ma qui mi avventuro in un terreno infido e mi accorgo, svegliandomi, che ho scritto queste cose mentre mi aggiravo nel sogno condiviso di chi mi sta accanto.
E anche voi che credete di essere arrivati a leggermi fin qui, svegliatevi e andate a vedere il film, “se non volete invecchiare da soli pieni di rimpianti”

persone insondabili

2010-09-24T18:14:00.002+02:00

Persone che evitano di tuffarsi in sé stesse perché la loro profondità è tale che rischiano di non riemergere. Le loro profondità sono insondabili a chiunque e il rischio per loro è di conoscere il perturbante che si agita giù nel profondo, al buio, al riparo dalle vicende quotidiane. Ci si può perdere in quell’oscurità profonda e si rischia di perdere sé stessi non meno di quanto si siano persi tutti coloro che in precedenza vi si sono avventurati senza mai riemergere.
Persone che non possono permettersi di perdersi in quelle profondità.
Per sé stesse, perché non si perdonerebbero mai questa curiosità senza conoscenza.
Per gli altri, che perderebbero una guida.
Ci sono anche persone che non possono tuffarsi in sé stesse perché si farebbero inutilmente del male schiantandosi contro la loro stessa superficialità posta appena sotto il pelo di una profondità virtuale.
Fra questi individui gli ignavi.
Qualsiasi scelta implicherebbe attingere alla propria profondità d’animo, di idee, di sogni. Del resto erano stati pesati e misurati per tempo costoro già dal Grande Fiorentino.
…dissi: "Maestro, che è quel ch'i' odo?
e che gent'è che par nel duol sì vinta?".
Ed elli a me: "Questo misero modo
tengon l'anime triste di coloro
che visser sanza 'nfamia e sanza lodo.
Mischiate sono a quel cattivo coro
de li angeli che non furon ribelli
né fur fedeli a Dio, ma per sé fuoro.
Caccianli i ciel per non esser men belli,
né lo profondo inferno li riceve,
ch'alcuna gloria i rei avrebber d'elli".
E io: "Maestro, che è tanto greve
a lor che lamentar li fa sì forte?".
Rispuose: "Dicerolti molto breve.
Questi non hanno speranza di morte,
e la lor cieca vita è tanto bassa,
che 'nvidïosi son d'ogne altra sorte.
Fama di loro il mondo esser non lassa;
misericordia e giustizia li sdegna:
non ragioniam di lor, ma guarda e passa". »
(Dante Alighieri, Inferno III, 31-51)

l'ingresso dei templi tra i mercanti

2010-09-11T16:33:00.004+02:00

è di oggi per me la notizia dell'apertura di una chiesa all'interno di un centro commerciale. A Catanzaro. Ma poteva essere dovunque, poichè i centri commerciali sono per definizione dei non luoghi.

Non c'è un luogo più o meno appropriato per una Chiesa e io stesso ho visto una Chiesa in Piazza del Mercato Nuovo ad Amsterdam in pieno quartiere a luci rosse. Deliziarsi l'anima prima o dopo aver deliziato il corpo deve essere l'obiettivo di quella chiesa.

Trovo curioso invece che dopo la terribile e fantastica scena della cacciata dei Mercanti dal Tempio, narrata da tutti gli Evangelisti con toni epici, descritta da Pasolini in un film indimenticabile, affrescata da Giotto nella cappella Scrovegni a Padova, da El Greco con tonalità psichedeliche, ora il Tempio paga un affitto (presumo) per avere un posto tra le bancarelle e i negozi, tra le luci e i suoni di un centro commerciale. Confuso, il Tempio, tra elettrodomestici e salamini, tra mutande e alcoolici.
"La Scrittura dice: La mia casa sarà chiamata casa di preghiera ma voi ne fate una spelonca di ladri" (Matteo, 21. 12-15)).

Ma Gesù era, evidentemente, un mattacchione ... ora sì che c'è gente che se ne intende di mercanti e di mercati.

prigioni e sogni

2010-09-07T17:30:00.004+02:00

Ci sono prigioni dalle quali non si evade.
Da quelle prigioni si esce solo a fine pena, e, se la pena è lunga una vita, si esce quando la vita non c'è più.
In quelle prigioni si può continuare a vivere solo a patto di uscirne. E il circolo si chiude nella contraddizione tra l'impossibilità ad evadere e la sua assoluta necessità.

I sogni sono La possibilità di guadagnare la libertà da quelle prigioni.
Solo chi sogna ne evade continuando a vivere.
Occorre attitudine al sogno, allenamento costante.
Il rischio è un sogno che porti in un'altra prigione e una prigione di sogno è terribile quant'altre mai. Grandiosa la metafora dell'Abate Farìa che profonde impegno e sforzi per finire semplicemente in un'altra cella.

Conosco persone che non sognano e persone che non sognano più. Persone che conoscono i granelli di polvere della propria prigione e persone che nepppure sanno di essere in una prigione poichè ormai credono che il mondo finisca nella loro cella.

E conosco persone che pur vivendo in celle strettissime e in condizioni estreme non vedono neppure i muri e le sbarre, tanto sono libere.
Entrano ed escono quando vogliono queste persone dalla loro prigione.

Hanno sogni queste persone.
Anche per chi non ne ha.

posti

2010-09-02T22:38:00.003+02:00

...mi chiedo perchè la gente va ad abitare in posti bruttissimi!

Ecco, tu passeggi di notte in una elegante e bellissima cittadina siciliana con amici, ne incontri altri, e uno di essi è uno scrittore. Uno scambio di frasi, alcune considerazioni sulla eleganza e sulla magìa del luogo, e poi lui, lo scrittore, se ne esce con questa frase.

...posti bruttissimi... viverci. Affannarsi per viverci...

Giuni Russo "La Sua Figura" Live

2010-08-16T09:19:00.001+02:00

Scopri la tua presenza,
mi uccida la tua vista e tua bellezza,
sai che la sofferenza
di amore non si cura
se non con la presenza e la figura
Dal "Cantico spirituale" di Juan de la Cruz (1542-1591) proclamato santo nel 1726.
Dopo essere stato sarto, falegname, aiuto infermiere, pittore, intagliatore, fu poeta mistico tra i più grandi di Spagna. ù
Fondatore dei Carmelitani Scalzi.
Carcerato, pare ingiustamente, nell'ultimo periodo della sua vita fu abbandonato da quasi tutti i suoi seguaci.

Giuni Russo reinterpreta con la consueta raffinatezza questa strofa del suo Cantico Spirituale in cui l'anima (la Sposa)cerca lo Sposo (Gesù)

Chi pettina la palla pelosa?

2010-07-19T12:17:00.001+02:00

‎"non esiste un campo vettoriale continuo non nullo tangente ad una sfera".

Questa enunciazione è più nota come il "teorema della palla pelosa" (dimostrato nel 1912 da Brouwer) tale per cui nessuno può riuscire a pettinare tutti i peli di una palla pelosa senza mai alzare il pettine. Ci sarà sempre almeno un pelo ribelle.
Esprimo la mia solidarietà a quell'uno

comunissimi luoghi

2010-07-14T11:51:00.002+02:00

Le bugie hanno L'ORO IN BOCCA.
CHI TARDI ARRIVA ha le gambe corte.
Morto un papa si fa MATTINO.
Chi è causa del suo mal L'ASPETTI.
Non si può avere il FRIGO PIENO e la moglie ubriaca.

O(A)biezione

2010-07-01T20:05:00.004+02:00

Leggo da una notizia di Agenzia:
Non piace agli Ordini dei medici pugliesi la delibera della Giunta Vendola che riserva ai medici non obiettori il servizio nei consultori familiari della regione. Il provvedimento risale a un paio di mesi fa e rappresenta un'integrazione della legge varata nel 2009 con l'obiettivo di rimettere in sesto le sedi per la 194 e rinforzarle in dotazioni e personale. Al riguardo, la delibera prevede l'esclusione dai consultori dei medici che in tema di aborto praticano obiezione di coscienza, allo scopo di tutelare il diritto della donna alla certificazione per l'interruzione volontaria di gravidanza. Il passaggio, tuttavia, non è piaciuto ai sei Ordini pugliesi, che in un intervento hanno stigmatizzato la delibera perché discriminatoria. A giorni dovrebbe essere organizzato un summit dal quale uscirà un documento comune, ma a riassumere l'orientamento delle associazioni ordinistiche provvede il presidente dell'Albo barese, Paolo Livrea: «Nessuno contesta la preoccupazione della Giunta di assicurare il buon funzionamento dei consultori» spiega «quello che inquieta è l'eventualità di ritrovarci con un bando di concorso che discrimina tra convinzioni e valori religiosi dei candidati. Sarebbe un pericoloso precedente: un giorno qualche amministrazione potrebbe rifiutarsi di accettare candidati che praticano l'obiezione in tema di denuncia degli extracomunitari clandestini». La speranza degli Ordini, dunque, è quella di riuscire a trovare una strada che salvaguardi principi e buon funzionamento delle strutture.
Obiezione, Vostro Onore! (disse Io , alzandosi in piedi):
Se è vero (e pare lo sia!) che la Regione Puglia, per far funzionare meglio i Consultori, e per applicare al meglio una LEGGE DELLO STATO, abbia discriminato i medici obiettori, la Regione Puglia, in questo caso, è fuori dalla Legge. E io sono un Medico non obiettore.
Lo scopo della Regione Puglia è, purtroppo, verosimile. Avendo previsto l'obiezione di coscienza nell'applicazione di una LEGGE DELLO STATO ITALIANO (la 194), si consegna questa legge nelle mani di chi non la applica. E io sono un non obiettore.
Dire perciò che "quello che inquieta è l'eventualità di ritrovarci con un bando di concorso che discrimina tra convinzioni e valori religiosi" andrebbe detto proprio della Legge 194 dove essa prevede l'obiezione di coscienza.
Insomma, a parere mio, la Puglia e fuori dalla Legge in questo caso. Ma quella Legge è fuori dall'Etica di uno Stato Laico. E io non sono un obiettore.
In conclusione io credo che si possa dissentire da qualunque Legge. Credo che sia legittimo lottare per cambiare quelle che non si condividono. Ma la Legge va innanzitutto rispettata e applicata, indipendentemente dalle proprie convinzioni. Altrimenti dovrebbe esistere una Obiezione al contrario. Ad esempio sulla Legge 40 sulla fecondazione assistita o su quella che si va profilando in materia di fine di vita; in ambedue i casi si avverte fortissima l'impregnazione etica religiosa nella legge. Si dovrebbe forse allora avere la possibilità di fare Obiezione per rispettare i propri convincimenti etici e non adeguarsi a queste leggi?
E io ritengo queste Leggi Ingiuste.
Io che sono un non Obiettore.

L'epidemia di salute

2010-06-24T12:13:00.002+02:00

venne un tempo in cui la tv annunciava ad ogni notiziario l'arrivo di una prossima epidemia di salute in forma pandemica, addirittura!
Si annunciava la prossima messa a punto di un efficace vaccino contro questa sciagura che avrebbe visto falcidiate le malattie di ogni tipo: fisiche e mentali.
I primi effetti si cominciarono a vedere sull'economia.
Le borse crollavano appresso ai crolli delle grandi aziende farmaceutiche.
L'epidemia poi arrivò.
E fu devastante per i suoi effetti.
Le Farmacie cominciavano a riciclarsi come postazioni di vendita di porchetta e patate fritte.
Gli studi dei Medici diventavano luoghi di incontro per persone sole.
Gli Ospedali chiudevano e diventavano residence per persone senza casa.

Fu allora che cominciarono gli studi per mettere a punto un vaccino contro questa pericolosa epidemia.

Tutti infatti scoprirono di non poter fare a meno delle malattie.

[Il seguito e i dettagli nel mio libro di prossima pubblicazione]

The road di John Hillcoat

2010-06-02T11:44:00.001+02:00

Un padre e un figlio. Sopravviventi ad una catastrofe lungo un percorso verso Sud. Un mondo dove tutto diventa essenziale e dove le categorie umane sono semplici: i buoni e i cattivi. Non ci sono nomi propri ma solo: l’uomo, il bambino, il vecchio, il nero, la donna ecc.
Dimentichiamo tutti i film post-catastrofici, tutti basati su improbabili avventure. Qui l’avventura è vivere. Semplicemente. E quando scrivo che tutto è asciugato fino all’essenziale mi riferisco alla quotidianità dei gesti, delle parole dei sentimenti. Vivere nel senso più assoluto che il termine sottende.
In una luce colorata di bianco e di nero si svolge l’epopea della paternità e della figliolanza e, “ si parva licet componere magna” , questo film, o meglio, questa storia, come cercherò di spiegare dopo, spazza via paternità narrate in quelle cosucce come “La nostra vita” di Luchetti (il più ozpetekkiano dei suoi film: continuo a chiedermi perché lo abbia girato). The road si pone rispetto al tema della paternità almeno alla pari di capolavori come quelli di Clint Eastwood.
E tuttavia la potenza delle immagini non rende giustizia una volta tanto alla potenza del libro dal quale è tratto. L’operazione riuscita ai fratelli Cohen di trasporre “Non è un paese per vecchi” dal libro al film non riesce completamente, secondo me, a Hillcoat. I libri di Cormac McCarthy sono scritti in tale modo da essere essi stessi già “sceneggiatura”, nel senso che i fatti si svolgono in modo assolutamente descrittivo, le azioni hanno movimento intrinseco, i personaggi sono in quanto fanno, agiscono. Non c’è mai una interpretazione dell’autore a far da filtro ad un profilo psicologico di un personaggio. La paternità narrata dal racconto di C. McCarthy è una paternità ancestrale come quella mirabilmente narrata da J. Conrad in modo sicuramente più consueto in “Al limite estremo”. Il film non restituisce questa essenzialità e questa ricerca dell’origine dell’amore paterno. Introduce anzi un elemento di “disturbo” con la rinuncia alla lotta e con la fuga della madre che non mi pare di ricordare così netta nel libro, e che suggerisce interpretazioni del regista per le quali sarebbe utile conoscere cose che non conosco di lui. Un film dove non c’è mai un “Ti voglio bene” del padre al figlio e dove l’amore paterno non necessita di dichiarazioni. Sarà solo il bambino a dire qualcosa del genere in un momento particolare che non anticipo per chi ancora deve vedere il film.
Questo film ha avuto difficoltà ad essere distribuito in Italia perché la storia era troppo “deprimente” a detta delle case distributrici, eppure fu presentato in grande spolvero al Festival di Roma dell’anno scorso.
Certo in un mondo di lustrini e di televisioni, un film fuori dal coro perché canta proprio secondo un’altra scala musicale.
Mi è piaciuto Viggo Mortensen.Mi è piaciuto un irriconoscibile (nel senso del camuffamento attoriale) Robert Duvall.
A me è piaciuto molto il film, ma confesso di essere pregiudizialmente mosso da sconfinata stima per la storia, per le storie, di Cormac McCarthy che fanno molta ombra al film.
Apprendo che il regista è australiano.
E io ho un figlio che vive e lavora in Australia. E mi fa ombra.

The road, the movie

2010-05-26T23:24:00.003+02:00

Venerdì 28 maggio esce nelle sale italiane "The Road", il film!
ed è questa una notizia poichè le case distributrici avevano ritenuto che per l'Italia fosse troppo deprimente questa storia, questo film e si erano arrogate il diritto di non distribuirlo.

Il libro da cui è tratto è splendido, come tutti i libri di Cormac Mcarthy,
ancora in credito di un Nobel.
Con questo libro vinse il Pulitzer nel 2007.

Ne consiglio la lettura a tutti i padri, a tutti i figli, a chi conosce padri e figli, a chi ha sposato padri o generato figli.
Ne consiglio la lettura a tutti coloro che nella vita hanno incrociato, sia pur fuggevolmente, il Male.

Ne consiglio la lettura a tutti.

Intanto c'è il film, che non so com'è , ma c'è Viggo Mortensen e mi dicono che dovrebbe avere una grande fotografia.

Nomadi - Canzone per un'amica (Live)

2010-05-25T11:39:00.001+02:00

perchè proprio Pina?

l'oziosa condizione

2010-05-19T16:58:00.004+02:00

La cosa peggiore che sta accadendo intorno a noi non sono le condizioni meteo.
Mai!
E' perfettamente inutile illudersi del contrario.
Una ADEGUATA riflessione su questo fatto può produrre effetti rivoluzionari su di noi e sulla società.

Imprecare e lamentarsi contro cose che in nessun caso possiamo contribuire a determinare fa da paravento (e da paraocchi e orecchie) a evitare l'impegno in quelle cose che richiedono la nostra cura e la nostra dedizione perchè potremmo contribuire cambiarle con la nostra opera.

Il caldo non ci fa fare questo. Il freddo quest'altro. L'eccessiva umidità quest'altro ancora. Per non dire di quella fastidiosa aria secca...! Il vento, la pioggia, la nebbia congiurano assieme contro di noi impedendoci la qualunque.

Non è solo il meteo, a ben pensarci.
Non c'è una condizione che possa governare la nostra vita e le nostre scelte che non siamo noi.
Certo, limitazioni all'operatività ci sono! E diversamente determinate. Da un handicap fisico alle condizioni meteo.
Tuttavia è possibile continuare a seguire l'ago della bussola come eravamo determinati a fare.

La domanda è: Dove voglio andare?

scuoti il pero

2010-05-17T09:55:00.000+02:00

...lèggere, scrivere, dormire.
Sognare, forse....

oh! 'tt'omaggio. ecc&homo

2010-05-08T09:56:00.002+02:00

stalking si traduce vomito?

2010-05-02T18:39:00.003+02:00

uno di questi giorni pubblicherò su questo blog una vicenda di stalking di cui sono vittima e per cui ho sporto querela e si sono chiuse le indagini con una sola persona indagata e "rea confessa", pare (trattasi di donna).

Se non ci sei dentro non ti rendi conto di quanto male si possa fare e persino ricevere con le parole di un anonima, che però ti conosce bene. Ne sei ostaggio e lei gode del fatto che sei stato "agganciato", gode del tuo star male, del tuo sospettare di tutti.

Ad un certo punto, anche se non vuoi, sei costretto a far intervenire la Polizia Postale per porre un argine al disgusto, al vomito.
Poi ci sono i tempi eterni delle indagini.
Poi, finalmente, le indagini si chiudono. C'è un'indagata. Ci sono i tempi processuali...

Sì. Pubblicherò.
Devo solo avere un pò di tempo. Ho dovuto dedicare già troppo tempo a questa vicenda.
A questa persona.

Agorà di Alejandro Amenàbar

2010-04-24T00:11:00.001+02:00

Il grande merito di aver portato a dignità cinematografica la storia di Ipazia viene rapidamente consumato da un modo di proporre la storia che è più propria di una fiction televisiva con dialoghi stucchevoli e con una ambientazione volutamente fintissima che non contribuisce a irrobustire la narrazione, ma che probabilmente appaga l’occhio di chi si aspetta la storia in costume d’epoca.
Ipazia è una donna-scienziata (proprio col trattino, poiché sono due sostantivi e il secondo non è attributo del primo) nel 4° secolo dopo Cristo in quella Alessandria che ha ancora la Grande Biblioteca e il Faro.
E’ una donna libera che mette in discussione tutte le credenze e la scienza fino ad allora nota.
E’quindi una miscredente nel senso più alto del termine. A differenza dei religiosi, pagani e cristiani, che si fronteggiano nell’agorà più con le viscere che con i cervelli come è proprio delle fedi. Cirillo, capo della fazione cristiana in espansione la farà trucidare per stregoneria.
Tutto il materiale che mi sarei aspettato di vedere è quello relativo al rapporto tra scienza e fede, all’essere scandalosamente donna-scienziata (matematica e astronoma, nonché filosofa) in quell’epoca, all’avere una sete ineusaurita di conoscenza, alle differenze fra le correnti filosofiche (Ipazia, neoplatonica)e ammennicoli simili. E invece, assisto alla triste storia d’amore di uno schiavo (Davo) ignorato sentimentalmente da Ipazia e a quella del Prefetto Oreste, rifiutato da Ipazia a causa dell’amore più grande di lei per la scienza. Assisto alle urla e ai gesti scomposti della folla dei “parabolani” (pasdaran cristiani nero-vestiti) nell’agorà che da luogo di discussione è diventata luogo di esibizione e di aggressione. Assisto all’opportunismo non approfondito dei suoi antichi allievi tra i quali Sinesio (al quale, peraltro, dobbiamo quasi tutto della memoria di Ipazia, visto che lei non ha lasciato nulla di scritto).
Altre forme artistiche hanno citato Ipazia (teatro soprattutto). Non mi risultava finora il cinema. Hugo Pratt ne fa citazione con un personaggio di una delle più belle storie di Corto Maltese, “Favola di Venezia”. Celeberrima quella di Musil con un personaggio de “L’uomo senza qualità”.
Il cinema ha sprecato l’occasione. Ne aspetteremo un’altra. La storia di questa donna e la memoria di questa donna che capì prima di altri e meglio di altri con la sola speculazione intellettuale come erano messe le cose nel cielo merita una conoscenza e una divulgazione artistica molto più dettagliata. La divulgazione riuscita invece sta nel fatto che ci viene mostrato come non avesse capito Ipazia come erano messe le cose in terra e questo è un richiamo ai giorni nostri dove fare appello ai cervelli sembra essere diventato un esercizio futile tanto pare inutile.
Una notazione “geografica”: il film si apre e si chiude con l’immagine del globo terracqueo visto da sopra l’Egitto. Beh, il canale di Suez, almeno potevano ritoccarlo al computer e nasconderlo!

in primavera, l'autunno

2010-04-18T20:37:00.002+02:00

L'autunno ha frutti non meno buoni di quelli dell'estate.
A volte.

Anche nell'autunno della vita si possono raccogliere e gustare frutti più buoni di quelli raccolti in altre stagioni della vita certamente più floride e ricche.
A volte.

Si partecipa ad autunni magici.
A volte

il mio omaggio intangibile

2010-03-24T09:21:00.006+01:00

Il mo(n)do e Suttree

2010-03-19T16:19:00.007+01:00

Appena tradotto in Italia "Suttree" di Cormac McCarthy. Bellissimo quant'altri mai. E' stato scritto nel 1979. Posso leggerlo in italiano solo nel 2010.
E penso che in Italia le cose vanno così.
Nel frattempo quest'uomo ha scritto cose belle e bellissime: "Non è un paese per vecchi" che ce lo ha fatto conoscere per lo splendido capolavoro cinematografico dei fratelli Cohen che ha pure vinto quattro Oscar. Ha scritto lo struggente e intenso "La strada" che ha vinto il Pulitzer nel 2007 e dal quale è stato tratto un film che, pur presentato al Festival di Roma, pur con attori di prima grandezza come Viggo Mortensen, non vediamo (e non vedremo?) in Italia perchè non ha qui una distribuzione in quanto la storia è giudicata "deprimente" (sic!)dalle grandi case di distribuzione.
Ed è solo la storia di un padre e un figlio sopravviventi ad una catastrofe.
Così va in Italia.
Ha scritto anche "La Trilogia della frontiera" che ha ribadito una volta di più che non scrive cose belle "per caso". Uno stile asciutto.Secco.Pieno di cose. Roba che ti fa venir voglia di dire "perchè non scrivo così io? perchè non ho scritto io quelle cose?"
Si è confermato insomma come uno scrittore di prima grandezza soprattutto perchè ha inventato un modo diverso di raccontare le stesse cose che raccontiamo tutti. Scrittori e no. E il modo è la sua cifra stilistica, perchè il modo è la cifra stilistica dei grandi.
Tutto infatti è stato già scritto, filmato, dipinto, scolpito.
Ciò che può cambiare è, appunto, il modo. Nella musica non è solo il modo, ma la musica non è racconto, come può esserlo un quadro, una scultura, un libro, un film.

E' in Italia, uno così con il suo libro, forse, più bello tra quelli qui citati, viene tradotto 31 anni dopo!

Così va in Italia!
Ma...

Perchè non ha ancora vinto il Nobel per la letteratura McCarthy?
Gli Accademici svedesi hanno trovato il tempo di premiare scrittori improbabili e opere altrettanto. Hanno dato il Nobel per la letteratura a Dario Fo scambiando un valente attore per uno scrittore eccelso (magari hanno pensato che, non esistendo l'Oscar per il teatro, gli potevano assegnare un Nobel e non potendo assegnargli quello per la Fisica, la Chimica o la Medicina, nè tantomeno quello per la Pace, hanno pensato che l'Oscar (ops! il Nobel) per la Letteratura potesse andar bene.

Allora non è solo in Italia che le cose vanno così.

E' proprio il mondo che non va.
E con il mondo, il modo.
Non va.

E io sono Suttree

Shutter Island di Martin Scorsese

2010-03-07T11:18:00.003+01:00

Andava girato in bianco e nero questo film. E neppure con grande incisione dell’immagine. Andava girato in bianco e nero e con una scala, la più grande possibile, di grigi. Così si sarebbe data una ragione al tema dei temi affrontato nello sviluppo della storia. Quale verità contro quale follia? E già ponendo questa domanda mi rendo conto che i due poli della domanda non sono equiparabili al bianco e al nero che invece sono netti nella loro assolutezza. Insomma verità non sta a follia come bianco sta a nero. Dovrebbe essere normalità contro follia, ma è una contrapposizione ridicola. Chi stabilisce la normalità? Invece il bianco e il nero restano netti e contrapposti oggettivamente. Normalità o verità non sono il contrario di follia. "Si parva licet componere magnis" c'è la sempre splendida canzone di Vascorrossi Sally "...la vita è un brivido che vola via, è tutto un equilibrio sopra la follia".

Quello che il film avrebbe voluto dirci è che non ci sono cut-off tra bianco e nero e non ci sono neppure bianco e nero ma solo “tendenze” verso il bianco e “tendenze” verso il nero.Cioè tendenze verso la normalità o verso la follia.
Ma il film è stato girato a colori.

Un noir. Ambientato in un isola dove i soli abitanti sono folli criminali con i loro medici-operatori sanitari e secondini. Siamo nel 1954 agli albori di una nuova psichiatria indecisa e combattuta fra soluzioni chirurgiche, psicofarmacologia e riabilitazione psicoanalitica. L’incipit è vomitevole (letteralmente Leo Di Caprio vomita nel cesso poiché soffre di mal di mare). Battuta pochissimo dopo “Mia moglie è morta nell’incendio del condominio.E’ stata uccisa dal fumo” e si accende una sigaretta (incredibile America!). Con un suo collega va ad indagare sulla scomparsa di una reclusa pericolosa folle criminale. Ma l’indagine si rivela complessa e soprattutto ha pieghe nascoste nell’intimo dell’indagatore. Non rivelo altro poiché il film va visto e goduto.
Il tema è difficile e la materia è complessa, perciò onore a Scorsese e complimenti a Di Caprio e a Ben Kingsley (strepitoso nella parte di Psichiatra Direttore della clinica-prigione). A mia memoria un tema così complesso e con un finale così aperto c’è solo in Fight Club di David Fincher.

La citazione finale è la chiave di tutto il film e la domanda è rivolta a noi. Al gentile pubblico. “E’ meglio vivere tutti i giorni da mostro o morire come una persona per bene?”. Sento questa frase come mia in questo momento più di ogni altra. Ancora complimenti a Scorsese.

La scelta musicale è giocata tra una becera musica di “genere” e splendidi brani di Mahler spesso associati a immagini di Dachau nel giorno della liberazione. Anche lì quella assordante musica di “genere” io l’avrei sostituita con suoni tribali, con percussioni cupe, profonde.

Resta il fatto che Scorsese ha fatto un bel film e io tutt’al più e per caso scatto, ogni tanto, una buona foto. “Chi sa fa. Chi non fa, insegna”.
Oppure fa il critico.

Alice's Adventures in the Wonderland di Tim Burton

2010-03-06T14:48:00.004+01:00

La sala piena, anzi le sale piene. Una visione di venerdì sera alle nove lasciava liberi solo posti sotto lo schermo. Ho dovuto scegliere la proiezione precedente e saltare la cena per accontentarmi comunque di un posto angolato ma sufficientemente distante dallo schermo. Ho imparato anche che gli occhialini 3D che ormai posseggo non vanno bene per qualsiasi schermo.

Il film a me è piaciuto. Il bello è che il film è bello (visto che gioco di parole evoca un film così) proprio per le cose che sembrano essere penose perché le cita in modo così grottesco da essere assolutamente trasgressivo come nella migliore tradizione (ariècchergioco dd’ ‘e parole) di Tim Burton.

Questa Alice è già stata da bambina nel Wonderland. E non ne ha ricordo. Ha dimenticato il sogno. E’ questo il taglio che il regista impone al film. Ed è una grande scelta che determina le altre.

Questa Alice ha 19 anni ed è sull’orlo di una promessa di matrimonio che sente non essere la sua scelta. Tema trito e ritrito: certo. Ma il rifugio nel sogno è un richiamo quasi Conradiano alla “linea d’ombra” [“Si chiude dietro di noi il cancelletto della pura fanciullezza – e ci si addentra in un giardino incantato. Persino le ombre vi risplendono promettenti. Ogni svolta del sentiero è piena di seduzioni. E questo non perché sia una terra inesplorata. Si sa bene che tutta l'umanità ha già percorso questa strada. È il fascino dell'esperienza universale dalla quale ognuno si aspetta una sensazione particolare e personale – un po' di noi stessi……………Vai avanti. E anche il tempo va avanti, - fino al momento in cui scorgi, dinnanzi a te, una linea d’ombra che ti avverte che la regione della prima giovinezza, anche quella, va lasciata alle spalle.”]

E questa è l’altra direttrice che Tim Burton impone alla storia. Al “suo” film. La vita come scelta dell’individuo. Potremmo scomodare il libero arbitrio e secoli di discussioni filosofico-teologiche intorno all’argomento. Questo film ci dice semplicemente che scegliere è un dovere etico. E che va fatto fin da quando “trovi davanti a te la linea d’ombra che ti avverte che la prima giovinezza va lasciata alle spalle”.

Il mezzo scelto per fare questa affermazione è un racconto classico con interpretazioni e piani di lettura complessissimi (come è il racconto di Lewis Carrol). L’interpretazione su quello spartito è questo film. Gotico fino all’inverosimile e per questo spiazzante rispetto alle coloratissime vicende di Alice bambina (che rigorosamente appaiono come citazioni nel film). Inutile, anzi, fuorviante, cercarvi le filastrocche e i giochi di parole del testo originale. Qui le parole sono frammentate e deliranti come di chi non ha ancora scelto. “Cosa hanno in comune un corvo e una scrivania?” più volte ripetuto dal Cappellaio Matto, semplicemente non ha una risposta. Perché non tutte le domande devono avere una risposta “Non ne ho la più pallida idea” ci dirà infatti quando la domanda viene rivolta a lui. Il mezzo scelto sono le cadute nel genere fantasy alla Harry Potter, certo, ma per dire tutt’un’altra cosa:che i mostri che governano la prima giovinezza vanno uccisi. E lasciati dietro al cancelletto. E che quello è il momento di ucciderli,sulla linea d’ombra della gioventù.Non più tardi. Quello è il momento delle scelte impossibili. Hai il “dovere” di uccidere.

Il sogno è una parte della realtà. Si può anche scegliere di restarvi per sempre, ma si lascerebbero sospese domande che invece attendono risposte possibili. E che sono la vita. E allora semplicemente si sceglierà secondo criteri semplici. Perché non ci sono altri che possano stabilire cosa è appropriato e cosa no (all’inizio del film viene posta questa domanda sull’appropriatezza). Solo noi, per noi stessi possiamo farlo.

Sì, un bel film! A mio parere. Se una riserva mi resta, è per la musica, che mi è parsa “anonima”. Ma io, come è noto, sono un’analfabeta musicale. Ahimè!

Invece una notazione di carattere medico. Nell’Inghilterra si diceva essere “matti come un cappellaio” poiché questi ultimi lavoravano il feltro con il mercurio che procurava gravi danni anche cerebrali e ripercussioni sul comportamento.
Tim Burton ha scelto il colore arancio dei capelli di Depp poiché i cappellai provavano essi stessi i cappelli “mercuriati” e sembra che questo provocasse in loro una caratteristica colorazione arancio dei capelli (appreso da un’intervista a Tim Burton. Bah!!)

Le regole

2010-03-05T18:20:00.003+01:00

Ho svaligiato una banca, ho superato il limite di velocità andando a 280 all'ora in centro abitato, ho investito una scolaresca facendo alcuni feriti, ho preso a pugni un mendicante cieco e zoppo. C'è bisogno di un "decreto interpretativo" risolva il problema che mi si è venuto a creare. Che dite ? Il Presidente della Repubblica lo firma il "decreto interpretativo"? In fondo ho solo infranto delle regole, non ho mica ucciso nessuno...

una nuova legge elettorale

2010-02-23T00:09:00.003+01:00

e se invece di eleggere sconosciuti candidati...?

sì! l'idea sarebbe questa, sulla scia di grande successo del Grande Fratello in tutte le sue edizioni: effettuare delle nomination per mandare a casa quelli che eletti sono già stati.

Un continuo "match race"!! L'onorevole Tizio contro il parimenti onorevole Caio: chi votate? Chi nominate?

E una prosperosa conduttrice a decretare "il nominato è" ....attimi di suspence, e giù applausi e urli e fischi.

E serate davanti alla tv, a sognare che un'altra Italia è possibile.
Cretini al potere!

post

2010-02-17T17:46:00.001+01:00

scriptum

l'uomo che verrà di G.Diritti

2010-01-27T08:41:00.001+01:00

Questa è per me l’essenza del cinema. Poesia unita alla potenza evocativa delle immagini. Per tacere delle musiche a sostegno di quelle scene…
La vita ai tempi della strage di Marzabotto. La popolazione civile che esce dallo stereotipo dei “danni collaterali” da guerra ignorata, non voluta (come viene ricordato nei titoli di coda), e assurge ad umanità vitale.
Martina è una bambina di una decina di anni affetta da un mutismo isterico causatole dalla morte del fratellino tra le braccia. Martina racconta, però. E’ lei la memoria visiva e uditiva degli eventi. Della barbarie che porta uomini contro ad uccidersi. I tedeschi sono visti come invasori proprio in senso letterale: della vita e delle storie altrui, delle terre che furono degli avi, del linguaggio (sono gli unici non sottotitolati i tedeschi). L’identità dei personaggi emiliani è rimarcata dall’idioma della comunità ed è colonna sonora esso stesso. Il sonoro sembra utile nel film solo per sottolinearne l’assenza in molte delle scene. Magnifica la battaglia silenziosa in lontananza fra partigiani e tedeschi lungo il pendio di una collina, incomprensibile quanto una danza senza la musica. Questo film funziona, secondo me, anche senza il parlato tanta è la potenza dell’immagine.
Il fratellino di Martina che nasce proprio un momento prima dell’eccidio diventa lo scopo etico e morale della sopravvivenza di Martina. L’uomo che verrà è quel bambino. Siamo tutti noi che non abbiamo visto e che pure “dobbiamo” ricordare. La verità riprende la sua etimologia greca di a-letheia (non dimenticanza).
Martina per questo riprenderà a parlare. Per essere in grado di tramandare il ricordo.
Per tanti aspetti è inevitabile pensare ad Ermanno Olmi e al radicamento dei suoi film nella sua terra.
Diritti (che io non conoscevo) ha messo in piedi un omaggio a quelle persone che resteranno senza gloria pur senza alcuna bastardaggine. Una fotografia che ricorda a tratti le luci di Caravaggio e in altri momenti quelle dei maestri fiamminghi a cominciare dal Vermeer de “la lattaia”. Una musica asincrona rispetto alla potenza delle scene visive.
Un anno vissuto da una comunità negli splendidi colori dell’appennino Bolognese.
Avremmo mai potuto pensare che un giorno, un sindaco di quella città sarebbe finito sotto i colpi di un qualsiasi Cinziagate? Tutto un altro film… buon soggetto per un cinepanettone.

A Christmas Carol di Robert Zemeckis

2009-12-14T18:44:00.006+01:00

Questo film è girato in modo tecnologicamente avanzatissimo e con effetti 3D da paura.

Lo confesso.
Sono stato a lungo e ripetutamente distratto dall'effetto per me ancora magico del 3D rispetto al contenuto del film.
E' per me ancora una volta la vittoria del "modo" di raccontare rispetto al "cosa" raccontare.
La novella di Dickens alla quale questo film è ispirato è ampiamente nota e per quanto riguarda me, ne venni a conoscenza guardando lo splendido cartoon dove Paperone-Scrooge era magnifico (Carl Barks, dico). Poi l’ho letta. Poi ho scoperto che esistono diverse versioni cinematografiche che però non ho visto.
Ma quello era un racconto natalizio per bambini, anche se era altrettanto elementarmente moralistico. Qui siamo di fronte ad un esercizio stilistico di Zemeckis con un film per adulti. Epico per la sua forza coinvolgente. Necessario il 3D per questo, solo per questo. Un modo di raccontare così riporta la gente al cinema perchè qualsiasi sia la qualità di quanto si possa "downloadare" (ma come parli?N.Moretti), qualsiasi pregio possa avere la futura, inevitabile uscita in DVD, il bello di questo film sta nel suo essere 3D. A mio sommesso parere (ma come parli, Lucio?): il miglior 3D (non il miglior film!!!) fra i quattro che ho finora visto proiettati; gli altri tre erano cartoons.

La fedeltà al testo è notevole, quasi assoluta. Non ricordo però se in questo film al vecchio Scrooge viene fatta vedere dallo spirito dei natali passati la felicità della sua ex ragazza rifiutata perché povera. E se non c’è, come mi pare che sia, forse riesco anche a capirne la ragione che provo a spiegare.

Zemeckis è per me inchiodato per sempre alla memoria di "Ritorno al futuro" e capitoli successivi. Lì c'era sempre un futuro possibile da cambiare:un futuro personale o collettivo da temere e da sostituire con un futuro diverso. Curiosamente questa novella si presta molto a questo tema dove il vecchio odioso e gelido Scrooge, vede il suo futuro e si ingegna a cambiarlo attraverso azioni (buone) che cambiano il futuro di altre persone. In questo senso possiamo dire che Zemeckis si emancipa dalla favoletta moralistica e fa di questo racconto un'opera morale, di alto valore etico, ritenendo che il cambiamento di un individuo possa produrre il cambiamento della società.
Dickens, invece, era scivolato involontariamente sul moralismo (gli capitò anche con Oliver Twist a mio sommesso (aridajje!!!) parere. L’intenzione di Charles Dickens era appunto di produrre un’opera di denuncia della povertà, anzi, pur restando un borghese illuminato denunciava la Poverty Law (legge contro la povertà) che era un modo di sfruttare legalmente il lavoro minorile. Ma l’intenzione non si sposò con l’efficacia del testo che invece produceva solo grande e diffusa commozione. In ogni caso, non denuncia e non una prospettiva di cambiamento sociale.

Egli stesso da bambino aveva avuto una vita poverissima e difficilissima e si arguisce che non dimenticò mai di averla vissuta

Anagramma

2009-11-09T20:34:00.005+01:00

Post Stop

un alfabeto per la nuova rivoluzione

2009-10-27T00:29:00.000+01:00

Adesso
Bersani
Ci
Dirà:

“Evviva!
Facciamo
Giustizia”.

Ha
Ideato
La
Misura:
Non
Ovvietà
Per
Questa
Rivoluzione.

Siete
Tutti
Uguali
Voi.

Zitti!!!

la bocca della falsità

2009-10-21T21:44:00.002+02:00

La bocca sollevò dal fiero pasto (Il Conte Ugolino)
La bocca sollevò dal fiero post (Il Principe del Web)
La bocca sollevò dal fiero posto (La Duchessa di ****)

"La doppia ora" di Giuseppe Capotondi

2009-10-20T00:47:00.004+02:00

E' andata così.
Domenica pomeriggio inoltrato. Pioggia battente. Non ho voglia di leggere. Ho esaurito tutti i colpi buoni che una domenica può regalare.
La mia amica mi dice "e se andassimo al cinema?" così alla cieca e senza sapere orari e programmazione in corso.

Alcuni film li ho già visti. La scelta si riduce a "Barbarossa" "La doppia ora" o "Funny People" e "Fame". Escludo il terzo e il quarto di cui non so proprio nulla ma temo siano cose inguardabili. Fra i primi due sono indeciso se finanziare la Lega nord (sembra sia un flop questo film che dovrebbe verniciare di Storia una Padania inesistente) o finanziare il PresdelCons (Medusa). Mentre tentiamo di scegliere, pensiamo anche di tornare a vedere "Inglorious Basterds" che ci è piaciuto molto e curiosamente origliamo da un gruppetto di ragazzi vicini a noi che hanno indecisioni simili e forse tornano a vedere il capolavoro tarantiniano.
Ci sarebbe "UP" ma ho promesso a miei amici che si andrà assieme giovedì prossimo con lo sconto (loro hanno bambini e in quattro al cinema senza sconto è una gran botta sul portafogli).

Infine è "La doppia ora".

Non l'avessimo mai fatto.
Trascorre la prima mezz'ora aspettando che il film decolli dopo un lungo rullare sulla pista.Illusione subito abortita dagli sviluppi. Anche per oggi non si vola al cinema. Per tener desta l'attenzione dello spettatore si ricorre al mezzuccio del rumore improvviso, a freddo, che dovrebbe ricordare lo schianto iniziale di una ragazza che si suicida dalla finestra di un albergo. Tutti balzano sulla poltrona ogni volta, ma, cacchio, sfido chiunque si trovi al caldo e al buio e ti arriva uno che all'improvviso ti schiocca un rumore secco e fortissimo nelle orecchie a non sobbalzare.E' questa scelta che evidentemente consente alla pellicola di fregiarsi della categoria "thriller": un forte rumore seco ogni tanto = thriller.
Intanto affiorano pezzi di film in un sugo senza sapore in questo spezzatino cinematografico senza capo nè coda. Poi, ad un certo punto, l'inevitabile : il sogno. Era un sogno quello che abbiamo visto. Un sogno della protagonista (Ksenia Rappaport fa la cameriera proveniente dall'Est come in "La sconosciuta" faceva le pulizie e poi la baby sitter: deve averci il fisìcdiùròle!). E io realizzo: ah, siamo di fronte a un finale tipo "The others" o "Passengers"! ERRORE!!! siamo di fronte ad un non finale. I fili restano tutti rigorosamente scollegati fra loro.Fino alla fine, oltre la fine del film.

Per dare merito a questo film bisogna dire che è l'unico caso di film ad accesso casuale e non sequenziale che mi sia capitato di vedere: puoi iniziare a vederlo da qualsiasi momento, non necessariamente dall'inizio.

"Inglorious basterds" di Quentin Tarantino

2009-10-17T23:37:00.003+02:00

...una sera vai a vedere "Inglorious basterds" e ti ricordi tutto.
Ricordi anche perchè ti piace il Cinema.
Ricordi cos'è il Cinema.

Finalmente un film che rinuncia alla metafora per avventurarsi sul paradosso.

Il paradosso di un gruppo di ebrei americani che commette atrocità contro i nazisti in territorio francese regge tutti i paradossi del film (che ho visto doppiato, se non in alcune sue parti in originale e sottotitolate), compreso il finale che non ti aspetti perchè il mondo irreale e surreale costruito da Tarantino è talmente serrato e logico da consentire anche che Hitler e tutta la dirigenza del Terzo Reich muoiano bruciati in un cinema. Ma anche bruciati "dal cinema" (le pellicole accatastate dietro lo schermo) per mano di vittime (un nero e una ebrea).

Il cinema nel cinema citato e autocitato.
E' una famosa attrice la "spia" che deve contribuire a far fuori il Furer.
E' un soldato e per giunta cecchino l'improbabile (paradossale) attore del regime.
Ogni fotogramma dell'inizio del 5° Capitolo (la ragazza ebrea vestita di rosso pluririflessa nelle ampie vetrate dell'occhio del proiettore) vale l'intero "Basta che Funzioni" di Woody Allen.

Dura 160 minuti ma, per un geniale montaggio delle scene associato ad una sceneggiatura superba, il fuso orario di questo film vi consentirà di uscire dalla sala in un tempo percepito di circa 15 minuti.

Da rivedere.Da rivedere.Da rivedere.
Ah! dimenticavo: da riascoltare.

sarà così la vita? ...mah!!!

2009-10-15T09:27:00.000+02:00

Gli stupidi si affannano a rendere la vita dura alle persone intelligenti che si affannano a rendere la vita migliore agli stupidi.

Il saggio, che certo non è uno stupido, ma non necessariamente è intelligente, non si affanna. Semplicemente!

District 9 di Neill Blomkamp

2009-10-03T02:19:00.001+02:00

Nostalgia di un film di fantascienza e vado a vedere un film così. Ne vedessi più spesso di film così, dove la fantascienza è solo un pretesto per non suicidarci causa l’indignazione verso noi stessi, i cosiddetti “umani”. Il film è realistico, molto più di tanti film documentari e capisci subito che la fantascienza resta sullo sfondo. E’ solo una paradossale modalità narrativa.

La storia è quella di un’astronave enorme che si ferma su Johannesburg senza dare altri segni di vita. Dopo un iniziale smarrimento i terrestri penetrano all’interno e scoprono non la fantascienza luminosa e brillante che si sarebbero ( ci saremmo ) aspettati. Ciò che trovano (troviamo) sono relitti alieni, brutti, sporchi, denutriti. Il linguaggio che parlano è cacofonico e l’aspetto (ci) è decisamente repellente. Ciò che l’umanità (?) sa fare è chiuderli in un campo di accoglienza (District 9) più brutto e sporco degli alieni stessi. In questo campo resteranno per vent’anni e saranno chiamati da tutti “gamberoni” diventando circa due milioni. L’amministrazione sarà affidata ad un’apposita agenzia (MNU) che si comincerà ad occupare anche di un trasferimento di questi gamberoni in un nuovo Distretto, il 10. Il responsabile di questa operazione impegna tutto il suo sapere burocratico ma si contagia accidentalmente con un fluido che lo trasformerà progressivamente in gamberone. Durante la metamorfosi scoprirà tutta la cattiveria e la stupidità degli umani (bianchi e neri) e tutta la sensibilità degli alieni.

Metafora scoperta, senza infingimenti, sul “diverso” e sull’accoglienza. Scelta di Johannesburg come sede emblematica dell’apartheid (c’era un District 6 di segregazione per i “negri”). La burocrazia e le cure che si limitano a spostare i profughi. I mezzi blindati bianchi con la scritta MNU ricordano molto i mezzi dell’ONU. La modalità narrativa è quella dell’inchiesta giornalistica, del report, ma ancor di più quella delle guerre “video trasmesse” con scene interamente girate con camera in spalla. L’imperativo sembra essere riferire continuamente al “pubblico” cosa accade e il pubblico deve vedere ciò che i protagonisti vedono e sentono. Sembra sia costato 30 milioni di dollari questo film, come Baarìa, a dimostrazione di quanto di meglio si possa fare con una cifra simile.

Una proposta per una parodia italiana di questo film: Borghezio, della Lega Nord, incaricato di spostare gli abitanti di un campo di accoglienza, per un accidente comincia a diventare progressivamente senegalese e quindi comincia a subire tutto quanto finora è riservato a chi vive dentro un campo di accoglienza tipo Lampedusa.

Ci sono cose che non hanno prezzo! (pubblicità Mastercard)

"Baarìa " di G.Tornatore

2009-10-03T02:16:00.002+02:00

Ci sono film che sarà bello dimenticare. Baarìa è uno di questi.

L’operazione amarcord di Tornatore secondo me non regge tutte le storie che mette in piedi.

Il bambino che corre per andare a comprare le sigarette e si libra sui ricordi della Bagherìa che fu con un crescendo di musica è una bella trovata, specie quando alla fine del film si incontra con il bambino antico catapultato nella Bagherìa di oggi. I ricordi sono ora intrecciati con fatti storici (Portella della Ginestra, il governo Tambroni, ecc.) ora decisamente onirici e visionari, ma molto scollegati fra loro. Episodici. Ma il bambino che ritrova l’orecchino della sorella alla fine del film è cosa scontata e penosissima.

La vicenda umana e politica di Peppino Torrenuova (il protagonista comunista) è, per alcuni aspetti, fiabesca. E giusto Silvio Berlusconi può definire questo film “un capolavoro” (ma ci ha messo i soldi lui, ci dovrà guadagnare!)

Solito omaggio al cinema da parte di Tornatore con scene di film, locandine inquadrate qua e là ad indicarci il tempo che passa. Omaggio alla Sicilia con l’utilizzazione di attori siciliani famosi (Aldo, Ficarra e Picone, Bova, ecc. Omaggio al proprio cinema con citazione di Nuovo Cinema Paradiso e con la partecipazione di 3 fotogrammi di Monica Bellucci e alcuni secondi di Michele Placido. Battute e battutacce per strappare la risata. Drammi umani d’altri tempi per strappare la lacrima. Ma il film non decolla mai e, soprattutto, non emoziona.

Bella la scena del viale delle teste mostruose ricostruito con il potere evocativo e magico del cinema da parte di Lattuada.

Alcune cose carine diluite in 150 minuti di film: un piacere omeopatico.

PS: ce l’ho con Tornatore per il fatto che è entrato anche lui a far parte del club dei “difensori” di Polansky, come se le leggi sullo stupro dovessero riguardare solo persone senza velleità artistiche. Perciò il mio giudizio non è sereno!